Artesecuencial

Tras el alocado reclutamiento de La Bruja Escarlata, el nuevo equipo de los vengadores acude a Wundagore para encontrar el legendario y maléfico libro Darkhold, que parce haber caído en muy malas manos…

Una vez leído el segundo número de Dan Slott es esta serie me he quedado básicamente en las mismas que el mes pasado:

El grupito que ha juntado Slott me gusta bastante y creo que puede dar mucho juego. Todos son personajes con carisma (unos más que otros) y cierto encanto y estoy seguro de que puede haber bastante química entre ellos. De hecho, la mayoría de componentes del grupo tienen lazos en común que, a buen seguro, darán mucho juego (con sólo mencionar a La Visión y la Bruja Escarlata, vale). El problema es que esta primera minisaga peca de ser bastante atropellada y un tanto rebuscadita (no ayuda que de repente aparezcan por ahí Mercurio e Iron Man como el que no quiere la cosa, enredando un poco más la madeja), lo que embarulla la cosa de mala manera...

La idea básica de Slott es hacer un “remake” de la premisa que dio origen a Los Vengadores clásicos. Supongo que su intención será la de “cocer” la  unidad del grupo a fuego lento y por eso ha juntado a un grupo de personajes tan variopinto y sin un liderazgo claro (aunque este pronto recaiga en un amargado Hank Pym).  Es decir, lo más interesante de la serie será precisamente eso: el ensamblaje de un grupo de individuos que poco o nada tienen que ver entre sí.

No es mala la idea y le viene al pelo al estilo desenfadado de Slott, pero falla una historia de presentación demasiado densa y alocada que introduce una grandilocuancia que no cuaja en ningún momento. Se supone que el Darkhold y el tal Mordred son enemigos formidables y que el mundo está un grave peligro pero eso no se palpa por ningún sitio. No hay emoción y el dibujo de Khoi Pam acaba con las pocas posibilidades de trascendencia, ya que resulta tosco, algo pobre y descuidado. Desde luego no transmite épica ni nada que se le parezca y por ahí la trama pierde un poquito más (con un dibujante mejor, estos primeros números hubieran sido otra cosa muy distinta). Al final la cosa no transmite cai nada y se pierde el interés que pueda haber por los personajes. Quizás Slott debería haberse tomado más tiempo en la presentación del grupo y sus antecedentes más recientes y haberse olvidado de tanta “movida” tan pronto (eso y que Marvel le hubiera dado un dibujante mejor del que le ha endosado)…

En resumen: seguiré la serie porque siempre espero más de lo que pueda hacer Dan Slott pero la cosa no pinta demasiado bien.

Como he hecho con Superman, os ofrezco un breve resumen de los últimos capítulos leídos de la serie Batman:

En el número 22 de Batman (edición de Planeta, por supuesto) Paul Dini y Dustin Nguyen nos ofrecen una historia centrada en el desquiciado villano conocido como Scarface. El tono oscuro de la trama resulta un tanto inquietante y el villano de turno –el muñeco diabólico metido a mafioso-  es, cuando menos, bastante particular. El tebeo me gustó bastante por el carisma del villano y por el dibujo de Nguyen.

A partir de la entrega 23 y hasta la 26 de la colección, Dini nos ofrece un relato centrado en uno de los villanos de nuevo cuño de Batman:  Silencio. El tipo resulta ser un viejo conocido de la niñez de Bruce Wayne que guarda varios oscuros secretos y una profunda animadversión (y envidia) hacia este último. Mientras que el joven Bruce pudo llevar una vida de lujos y despreocupada, Silencio sufrió una infancia traumática gracia a sus sobreprotectora y perturbada madre y a sus propios trastornos de personalidad. Todo derivó en un coctel explosivo que dio lugar a una mente paranoica y destructiva que tendrá al murciélago en vilo durante muchas páginas.

En la saga de Silencio (“El Corazón de Silencio” se titula) Paul Dini continúa con un tono oscurete pero ligero del cómic dedicado a Scarface. El guionista no se pone demasiado denso ni tétrico y prefiere hacer algo más entretenido y dinámico. Sus tebeos resultan bastante digeribles y se agradece el intento por explicarnos las motivaciones y el pasado de los personajes (en este sentido cabe destacar cómo se enlazan de forma bastante apañada los pasados de algunos de los protagonistas aparecidos en anteriores números de la serie). También hay un acercamiento bastante interesante a la figura de algunas de las "amantes" del Cablallero Oscuro, con especial atención a Catwoman. El dibujo de Dustyn Nguyen nos facilita leer con agrado las historias. El estilo de Nguyen está claramente inspirado en el del gran Mike Mignola pero algo más estilizado y con un toque manga. Su trabajo es bastante atractivo y se nota que hay bastantes ganas y margen de mejora. Además se agradece que haya una misma mano durante toda la saga y en las entregas anteriores (algo muy raro en estos tiempos). En suma: tebeos legibles y con un dibujo muy guapo.

En el número 26 de la colección Grant Morrison comienza su Batman RIP, una historia que ha tenido gran repercusión en los USA y de la que he leído pocas cosas buenas... A mí Morrison hace tiempo que no me dice nada y en este cómic me dijo menos todavía. El guionista británico nos presenta a una especie de robot inspirado en Batman que le tiende una trampa cuando este se encuentra pasando unos felices días con su nueva conquista. Todo ello condimentado con una vuelta al pasado del murciélago que no sé muy bien dónde nos lleva. Tampoco deslumbra el dibujo de un Tony Daniel normalito tirando a mediocre. Un tebeo rarito al estilo Morrison que espero que mejore algo en las proximas entregas.

PD: excelentes las portadas de estos cómics (si no me equivoco son del mismo Nguyen salvo en el caso del nº 26).

Tras varios meses in hablar de superman volvemos al redil con un breve comentario acerca de los últimos números que han llegado a mis manos:

En el número 24 comenzaba una saga titulada “Atlas” (precedida por un buen relato centrado en el villano conocido como el Juguetero) en la que se nos contaba el enfrentamiento de un personaje del mismo nombre que llegaba a la Tierra dispuesto a enfrentarse a su guardián: Superman. El misterioso ser posee una fuerza tremenda y pretende medirla con el  guerrero valiente del lugar. En medio de todo, Geoff Jonhs nos ofrece un relato centrado en el super perro fiel servidor de su amo…

Esta saga me decepcionó un poco ya que no tiene esa marca de calidad que suele tener todo lo que hace el bueno de Johns. La historia es bastante simple y el personaje de Atlas apenas me dijo nada. Tampoco la trama del super-perro es nada del otro mundo (más bien daba un poquito de vergüenza ajena). Una historia predecible y sosita que se salva por el dibujo de Renato Guedes.

En el número 25 de la serie termina la historia de Atlas y en la 2ª parte del cómic  tenemos  un breve fill inn centrado en la figura de Supergirl. Sterling Gates y Jamal Igle nos ofrecen una historia corta de “ubicación” de un personaje que será importante en su siguiente historia larga (la entrada en Brainiac). Tebeo entretenidito sin más.

Metidos en harina, en el número 26 de Superman Geoff Jonhs comienza una saga bastante interesante centrada en el villano Brainiac (una de tropecientas reencarnaciones). Esta nueva amenaza  acude a la Tierra en busca de un nuevo planeta que “adquirir” y da la “casualidad” de que tiene relación con el pasado de Superman y su prima Supergirl, por lo que el héroe de Metrpolis deberá ir en su busca para derrotarlo.

Mucho más prometedora la saga de Brainiac que la de Atlas: Jonhs entronca varias continuidades para ofrecer un relato más profundo en el que evoca los miedos de los protagonistas. Se nota más trabajo y esfuerzo (mejor el tratamiento de los protagonistas), aunque la historia de Kandor esté un poquito cogida con afileres con el fin de enlazarla con el pasado de Supergirl. No es el Jonhs "de siempre" pero cumple con solvencia, aúpado por el dibujo de un Gary Frank que hace un trabajo estupendo (en su línea). El reconocido artista hace gala de su trazo elegante, sobrio y fino (especialmente buena es su versión de Superman).

Estos últimos tebeos de Geoff Johns me han dejado un poco frio. Normal si tenemos en cuenta el nivelazo que suelen tener todos sus trabajos. Unos cómics más normaluchos que no destacan especialmente por nada pero que tienen, eso siempre, ese toque tan especial de este genial escritor. Y es que el tipo puede hacer trabajos reguleros -incluso malos-, pero hasta en esos se nota un cierto interés por hacer algo decente y un cariño por su trabajo. Lo cual no es poco...

La segunda temporada de “Heroes” estuvo marcada por la huelga de guionistas que asoló a medio televisivo y cinematográfico hace un par de años. De ahí que se tuviera que recortar la duración de la misma, rebajándola a sólo 11 capítulos. Ahí va un resumen de la misma:

Después de salvar New York de la amenaza de Sylar, Hiro había saltado involuntariamente en el tiempo hasta época del Japón Feudal. Allí conocería al héroe de su infancia, el famoso samurai Takezo Kensei, el cual resultaba ser un inglés pendenciero llamado Adam Monroe que usaba el nombre de Kensei para infundir miedo a la gente. Este personaje estaba relacionado de alguna forma con la aparición de los superseres  (su kanji o emblema peronal dibujado en su katana y que era similar a un tatuaje de una de las portagonistas) y poco después descubríamos que en realidad era uno de los primeros humanos con habilidades especiales de la historia. Con su viaje al pasado Hiro iba a “ayudar” a que ese misterioso individuo quedara ligado a su propio origen, el de sus compañeros de lucha y, de paso, de la compañía dedicada a perseguirlos y manipularlos…

La aventura de Hiro en el pasado creaba una “paradoja” temporal que daría lugar a una interesante trama no muy bien explotada por los creadores de la serie. Adam/Kensei resultó ser un personaje muy atractivo, pero su importancia quedaba un tanto diluida al final de la saga, ya que no adquiría el peso que podría haber tenido (la idea de un primer “mutante” como gran villano de villanos podría haber dado mucho juego). Pero eso llega más adelante…

HÉROES: EL CÓMIC.

Mientras Hiro vivía sus aventuras en el pasado, el resto de héroes debía enfrentarse a la amenaza en forma de virus que iba a diezmar la población del planeta. De alguna forma (un tanto chapucera pero no descabellada), Adam Monroe tenía que ver con ese virus, de forma que cobraba una importancia mayor en la trama general, que se unía a la de Hiro en un giro argumental bastante apañado. Esta parte de la trama volvía a repetir el esquema de la primera temporada: un futuro muy oscuro que debía ser eliminado a toda costa.

Por otro lado Noah Bennet (el padre de la animadora y unos de los gerifaltes de la Compañía)  estaba dispuesto a redimirse por el mal causado y se unía a la causa de los héroes, luchando en contra de sus antiguos jefes (junto con Mohinder Shures, que buscaba una “cura” para los poderes y, de paso para el virus que mataba a los poderosos). Así empezaba un juego de espías y lealtades en torno a la dichosa compañía que, sin ser un galimatías total, sí se volvía un poco cargante…

Peter Petrelli (el héroe “oficial”) se veía envuelto en una serie de peripecias que le obligaban a unirse con Adam Monroe (aunque al final rectificaba), mientras que su hermano se mantenía en un segundo plano, recuperando de las heridas físicas y morales de la primera temporada. Y la verdad es que esta situación le viene muy bien al personaje (a casi todos) para no resultar demasiado pesado y dado que en la primera temporada había sido muy “sobado”.

En esta segunda saga había algunas otras tramas bastante flojillas que pasaban si pena ni gloria pero que ayudaban a pasar el rato…

La segunda temporada de “Héroes” salva los muebles de forma bastante digna aunque no es mejor que la primera. Lo mejor que podía pasar a la serie era reducir el número de capítulos para así mantener cierta coherencia interna que hubiera sido impensable con los 23 capítulos de la primera tanda (y todo el relleno que hubiera supuesto). Con todo, hay momentos curiosos y cierta sensación de que, a pesar de los pesares, la cosa sigue teniendo teniendo un hilo conductor medianamente sólido. Las líneas maestras de la historia siguen siendo visibles y los arcos argumentales –aunque repetidos- se pueden seguir con cierta solvencia. Poco más se podía pedir para una segunda temporada de una serie de gran éxito (con todo lo que esto supone) y marcada por la huelga de escritores.

PD: el mes que viene, otros dos posts sobre “Héroes”.

Shyrin está a punto de dar a luz en medio de una trifulca con los agentes de una Valerye Cooper demasiado interesada en el futuro hijo de la mutante. Por su parte Madrox se encuentra en una misión de alto riesgo para salvar la vida de Darwin…

Peter David se marca un par de números sencillamente espectaculares para contarnos el parto de Shyrin y sus terribles consecuencias.  En el número 36 de la serie el genial guionista nos deja a todos con la boca abierta cuando un acontecimiento inesperado (y tanto) viene a destrozar la felicidad que invadía a todos los miembros del grupo. Cuando parecía que el cielo se abría para Madrox y los suyos (sobre todo para él), David destruye la escena con un giro de esos que quita el hipo y que marca –y marcará- el tono de la colección en el futuro más cercano:

Es evidente que Peter David tiene una fijación especial con Madrox, personaje al que ha hecho de todo y al que ha elevado por encima de las apariencias para convertirlo en uno de los más atractivos del panorama actual. Pues bien, en estos tebeos le vuelve a apretar las tuercas de una forma tremenda para sacar lo “mejor” de él. Esto último lo podemos ver en un número 37 que es de lo mejor que he leído en los últimos años; un ejercicio de genialidad en el que vemos a un personaje destrozado que acude a la única persona que puede comprenderle: él mismo (o, mejor dicho, uno de sus dobles “liberados” que se había metido a cura). En este tebeo, David juega con los matices que aporta la personalidad fragmentada y atormentada de Madrox  (sin olvidar esos deliciosos toques humor negro que tan bien se le dan). Una gozada de lectura que se corona con una sorpresa final que, de nuevo, quita el hipo.

En todo lo demás la serie sigue a un nivel muy alto. Longshot y Darwin –tipos raros donde los haya- pegan muy bien con el grupo y su aportación está siendo más que apreciable (sobre todo la del primero). Ambos dan mucho juego y se han acoplado perfectamente al tono surrealista y desenfadado de la colección.

Tras la marcha de Larry Stroman de la colección (aún colabora en el nº 35) el dibujo de estos cómics ha recaído en manos de un Valentine DeLandro que sigue la senda realista de los inicios de la cabecera. Sin demasiados alardes, su trabajo resulta muy agradable de ver, dada la claridad y pureza del trazo. Me ha gustado bastante, sí señor.

El maestro Peter David parece dispuesto a romper esquemas con una traca de sopresas que le dejan a uno con bastante mal cuerpo. Parece que su idea es llevar la serie a un nivel superior y, de momento, lo está consiguiendo a base de sorpresas inteligentes, un tratamiento espectacular de los personajes (como siempre) y algo de mala leche. Otra vez: chapeau.

La primera temporada de “Héroes” es bastante redonda en líneas generales. Un inicio muy bueno que tiene una línea argumental bastante clara y comprensible (algo muy de agradecer) que se complica un poquito con las idas de olla tan típicas de las series yanquis de Ci Fi actuales. La trama se puede seguir con bastante facilidad y hay capítulos excelentes. Es uno de los pocos casos en que no me sobra casi ninguno de los 23 episodios, recortados, gracias a Dios, en las siguientes temporadas (luego me explico).

Los ejes de la primera entrega de “Héroes” son la existencia de un oscuro futuro por evitar y el asesinato de los incipientes seres superpoderosos que deben evitarlo. Como veis el argumento acude a algunos de los tópicos más sobados del género (del superheroico y los televisivos); lo que supone, en cierto modo, un alivio porque así nos evitan el tener que asistir al lío que nos hubieran montado de haber buscado rizar el rizo. Mejor algo sencillito y al pie que las cosas raras que les da por hacer a algunos con las series… Y si además, poco a poco se van descubriendo cosas como la identidad del asesino (sin trampa ni cartón), da la sensación de que la trama avanza con cierta fluidez (aunque con algunos “peros”)…

De los protagonistas de la serie (para bien, no demasiados) destacan 3: Hiro (y Ando, claro) y Peter y su hermano Nathan Petrelli. Los tres son el eje de la trama de la primera temporada, sostenida también por el malvado Sylar y el misterio que le envuelve a él  y a su origen. Hiro es el héroe simpático y en torno a él giran los momentos de desahogo” de la serie. Para mí es el mejor de todos con mucha diferencia porque sus aventuras sin las más logradas, las más entretenidas y superheroicas y las más cercanas. Por su parte Peter Petrelli  su hermano son el contrapunto serio de la historia. El primero es el arquetipo del héroe-héroe (un Superman si queréis) con un corazón puro y sin dobleces mientras que su hermano es el atormentado y ambivalente, susceptible que caer en el “lado oscuro” con mayor facilidad. Los tres son el centro de todas tramas y están acompañados por un elenco de personajes que a veces pintan algo y otras aparecen y desaparecen de una forma un poco caótica y sin demasiado sentido (el caso de la rubia-para-todo con múltiples personalidades). La mayoría están bastante bien caracterizados aunque unos evolucionan, otros se estancan y otros, como he dicho, están para figurar.

Uno de los aciertos de “Heroes” es que no hay una sobreexplotación de los protagonistas, ya que en cada capítulo y cada minisaga se alternan las historias de una forma bastante equilibrada. Esto permite que no nos cansemos de unos personajes que en manos de los guionistas yanquis hablan demasiado y se ponen muy trascendentes y pedantes. Esto se une al hecho de que a partir de la 2ª temporada haya menos capítulos, resultando todo bastante menos pesado y denso de lo que podría haber sido con un mayor metraje. Así, las historias se desarrollan con cierto dinamismo y ninguna llega a resultar cansina. Por supuesto unas son mejores que otras pero todas mantienen el tipo con cierta soltura, sin llegar a ser ninguna de ellas especialmente mala. Otras se suben la media con notoriedad (todas las relacionadas con Hiro, por ejemplo).

En el aspecto negativo decir que algunas de las cosas que pasan resultan bastante ridículas y fuera de lugar. Eso puede resultar normal si hablamos de una serie de Ciencia Ficción, pero es que a veces se riza el rizo: los personajes usan sus poderes y parece que nadie se entera de nada, las autoridades dan por bueno cualquier suceso de lo más extraño, etc. No son cosas que impidan seguir la serie pero sí molestan porque podrían haberse pulido un poco más (como todo lo demás, claro está). Tampoco se resuelven ciertas dudas y vacíos de guión que dejan algunas lagunas (unas se resolverán y otras no porque responden a la pura improvisación).

El final de la primera entrega de “Héroes” es bastante bueno, aunque pizca lineal y predecible. Los buenos ganan -hablamos de superhéroes- y lo hacen de forma que casi todos los cabos quedan bastante atados, aunque haya cosas que queden en el aire. Un buen desenlace para una primera saga entretenida y con momentos muy buenos.

En resumen; la temporada inicial de “Héroes” responde a las expectativas. Hay acción, entretenimiento y misterio para completar una historia que no es una obra maestra pero que al menos entretiene mucho y mantiene cierta coherencia interna. Los capítulos son cortos y dinámicos y se ve que la trama avanza con cierta soltura. Podría haber estado mucho mejor -como casi todas las series del género- pero tampoco es una ruina.

PD: Para los fans de los comics de supers decir que la serie “tira” más hacia la senda marcada por “El Protegido” (la película de Shymalayan) que hacía los propios tebeos. No esperéis demasiados efectos si no más reflexión y una puesta en escena algo más sobria.

La organización de asesinos ninja conocida como La Mano tiene la intención de convertir a DD en su nuevo líder supremo, algo a lo que el héroe no se muestra my dispuesto... Tras la negativa del Hombre sin miedo, la secta recurrirá a uno de los enemigos por excelencia de Daredevil para poder terminar con él. Se trata de mismísimo Kingpin, que vive retirado en Europa tras la muerte de su esposa.

Tras la sorpresa que nos depara Bru sobre las intenciones reales de La Mano (números 41 y 42), la trama da un giro bastante interesante que nos lleva a otros derroteros. La idea del guionista me parece muy "coherente" con la trayectoria de La Mano y del propio Matt, convertido hace tiempo en la auténtica pesadilla de esa organización regida por la ley del más fuerte. Por eso no resulta nada extraño que la enfermiza mente de Lady Bullseye crea que DD sería el líder ideal para su secta de cafres asesinos. No está mal el enfoque (aunque siga sin gustarme lo que hicieron a Tarántula Negra y Tigre/sa Blanco/a)...

Cómo no podía ser de otra forma, Brubaker ha sido incapaz de escapar al influjo de Kingpin y ya lo tenemos de vuelta en la colección. No es algo que me escandalice pero sí me molesta que se recurra una y otra vez al orondo villano. Eso sí, al menos Bru se toma la molestia de recuperar al personaje de una forma que no chirríe demasiado y que, al mismo tiempo,  profundize en su personalidad y trayectoria:

Wilson Fisk ha recuperado algo parecido a una vida en España y ha encontrado  la estabilidad con una bella joven de esos lares. Pero su pasado de delincuente le persigue y La Mano acude a él para recordarle lo que fue y la inevitabilidad de su destino (esto ocurre en el muy bien contado y dibujado nº 43 de la serie). Kingpin es un criminal y no puede huir de esa vida aunque lo desee con todas sus fuerzas porque siempre habrá alguien que le haga volver. El paralelismo con DD es más que evidente, sólo que en el caso de Matt lo que le atrae sin remedio es la vida de superhéroe y todo lo que conlleva. Otra vez Bru nos recuerda lo parecidos que son ambos y lo condenados que están a “entenderse”.

Tras la excelente historia del número 43 (que cuenta, además, con la excelente aportación del dibujante español David Aja), volvemos a La Cocina del Infierno y nos preparamos para la vuelta de Kingpin a su trono. Bru parece querer contarnos su última historia en la colección de una forma tranquila (mejor) y de momento se conforma con poner las piezas sobre el tablero con pausa: Kignpin aparece en un garito de mala muerte para poner orden en la Cocina (presencia omniosa), Matt quiere desbloquear la situación con los padres de Milla y no se andará con miramientos para conseguirlo, izo sigue a su bola matando a todo ninja de la Mano que se ponga por delante, etc. La tranquilidad que avisa de la tormenta que se avecina…

Y eso; cómics que siguen a un gran nivel con la receta que ha hecho de esta serie una de las más estables del panorama marvelita: historia coherentes y entretenidas (con un toque de humor muy agradecido), buen dibujo, personajes con carisma y fuerza, etc. Todo un regalo para la vista, oiga.

Lobezno y Ojo de Halcón sufren una emboscada de la que uno de los dos no saldrá muy bien parado… El que sobreviva a la misma tendrá que vérselas con el desquiciado villano que controla el mundo: Cráneo Rojo.

Finaliza esta aventura planteada por Mark Millar con un final bastante particular (como todo el cómic) pero que no desmerece demasiado a lo contado hasta el momento. El periplo de Logan por un mundo desolado pero muy sugerente nos ha hecho disfrutar durante unos cuantos meses y Millar ha vuelto demostrar que, cuando quiere, es un maestro en el arte de entretener:

Con una mezcla de Western, pseudo-parodia del género superheroíco y futuros postapocalipticos, Millar ha conseguido ofrecernos una visión de Lobezno que no me ha resultado tan trillada y vacía como la mayoría de las que se publican hoy en día. El guionista británico ha sido capaz de hacer una historia del personaje que no es más de lo mismo (aunque al final se haya decantado por algo más de eso), haciendo algo que, sin ser la panácea, sí ha esultado frescon y diferente (que no es poco). El Logan de Millar es el de siempre pero no es el mismo: hemos visto el fiel reflejo de un personaje con mucho equipaje a sus espaldas y con un poso de tristeza tremendo pero dispuesto a renacer de sus cenizas. A su lado, la versión más optimista de un Ojo de Halcón divertido y dinámico como la contrapartida perfecta de un aventurero achacoso y quejica que necesita como en comer recordar lo que fue. Y al final lo recuerda y recupera sus ganas de vivir y cambiar el estado de cosas. Dos personajes perfectamente reflejados  y con una química tremenda.

Como os comentaba al inicio del post, el final de El Viejo Logan tiene parte de “seriedad” (esa imagen de una Cráneo Rojo decadente -terrorífico- y demente como pocas veces se ha visto) y otra de “desvarío” a lo Millar. En esto el británico ha querido mezclar, como a lo largo de todo el cómic, un toque de “realismo” con surrealismo puro (una mezcla que vuelve a funcionar muy bien). En suma; un deselnace digno de la historia que hemos leído y plagado de guiños, homenajes y algún toque dramático que consigue el efecto de dejar al personal con un mal cuerpo de narices.

Mucho del mérito de que este cómic funcione es de Steve McNiven y su tremendo trabajo a los lápices. Su gran caracterización de Lobezno y de Ojo de Halcón y el gran trabajo de ambientación del futuro madmaxiano hacen que todo sea mucho más creíble y trágico por encima de los momentos cómicos y las licencias de Millar (muy comedidas en la mayoría de los casos). Se nota que el dibujante se ha tomado muy en serio este trabajo y también un cariño especial por lo que estaba haciendo. Una labor excepcional en todos los sentidos.

Hemos asistido a un viaje alucinante por un futuro descorazonador pero entrañable al mismo tiempo. Una aventura con tintes tragicómicos en la que Millar y McNiven nos han devuelto al mejor Logan en el peor escenario posible. Una mezcla de comedia, drama, aventura, acción y esperpento que deja muy buenas sensaciones. Millar aún vive.

Michael Bendis y Ed Brubaker han sido los autores que han marcado la vida de editorial de Daredevil en los últimos años. Ambos, en su estilo, han realizado una labor magnifica que quedará en el recuerdo de todos los fans del personaje. Mientras que el primero hizo un repaso pormenorizado de la trayectoria del mismo dejando pocos huecos sin cubrir, su sustituto no cometió el error de repetir la fórmula de "reinventar" al personaje, si no que buscó su propio camino, optando por contar otras cosas usando, en la mayoría de las ocasiones, personajes secundarios y "escenarios" menos trillados de lo habitual:
 
El gran acierto de Brubaker fue el de no desdeñar la gran aportación que había hecho su antecesor en la colección del Cuernceditos. Cogió lo bueno (la relación con Milla, el juego de la identidad de Matt, etc.) y lo usó en su beneficio, sin pretender en ningún momento arrasar con todo lo hecho por Bendis (una absurda manía de muchos autores actuales). Lo que no le gustaba del todo lo "enterró" con inteligencia pero sin cerrarse puertas y explotó otras vías (otros personajes, otras situaciones, etc.). Así, supo manejar a la perfección asuntos como el del matrimonio con Milla sin necesidad de cargarse al personaje de mala manera. También introdujo nuevas caras, dejando un poco en stand by a algunos secundarios demasiado manoseados en etapas anteriores.  

Pero, por encima de todo, el gran acierto de Brubaker ha sido el de ser capaz de mantener el nivel de la serie (algo harto complicado), dandóle otro aire más "mundano" y menos "serio" (oscuro o como queráis llamarlo). La etapa de Bendis -una estancia genial que el tiempo está poniendo en su lugar- tuvo la virtud de recuperar al personaje en toda su extensión pero también suspuso un repaso demasiado profundo que dejaba a Daredevil algo agotado como para volver a remover sus cimientos tan pronto. Por eso el nuevo timonel de la serie decidió apostar por otro tipo de vías menos "densas" que buscaban un poco de desahogo frente a la dinamica anterior; todo ello sin obivar la profundidad del personaje pero haciendo historias más "comiqueras" y ligeritas.
 
En resumen, la etapa de Michael Bendis y Ed Brubaker puede leerse como un todo porque no hay ruptura entre ambas. Es más, es de la pocas veces en la historia del cómic de superhéroes en que dos autores hacen una labor de continuidad con un personaje sin la voluntad de esconder o menospreciar lo que han hecho los anteriores. Por eso, no cabe duda de que DD ha estado en las mejores manos estos últimos años y que en este tiempo se han relizado un número más que destacable de grandes tebeos de este gran héroe enfundado en la piel del diablo.

Torchwood es un grupo para-policial dedicado a investigar fenómenos paranormales en la Inglaterra de nuestros días. Se trata de un grupo de personajes bastante particulares que deben lidiar con invasiones alienígenas y demás catástrofes como el que baja todos los días a por el pan. El jefe de la cuadrilla es el histriónico Jack Harkness, un tipo con un pasado oscuro que mantiene a sus subordinados al margen de las decisiones más importantes.
 
Torchwood tiene algo de Expediente X (evidente) pero intenta superar ese modelo para buscar caminos más cercanos a un humor irreverente y despreocupado. Esa mezcla de seriedad y comicidad funciona a veces, pero no llega a cuajar del todo debido, quizás, a un exceso de "ligereza" a la hora de tratar a los personajes. A esto se une un descuido importante a la hora de elaborar algunas de las tramas; lo que lleva a que, desde los inicios de la serie, tengamos capítulos muy buenos (geniales diría yo) con otros malos a rabiar y con un clara intención rellenil. Esto desluce mucho el resultado final a lo largo de las temporadas:

El gran desequilibrio en la serie va desde los guiones hasta las actuaciones de los protagonistas. Hay capítulos donde los actores están perfectos -contenidos, serenos y creíbles- pero en otros se salen del tiesto de una forma lamentable, resultando infantiloides, pasados de rosca y sobreactuados a más no poder. Otro factor que marca una desigualdad notable entre las distintas entregas.
 
Otra lacra de Torchwood es la sensación de falta de rumbo definido para la serie. La primera temporada sigue una tendencia medianamente interesante y “coherente” (hablamos de Ci-Fi) para desembocar en un final decepcionante y facilón a más no poder. Se ven multitud de ideas atractivas y explorables pero no hay un hilo conductor lo suficientemente fuerte que de consistencia al asunto.
 
Tampoco la producción de la serie ayuda en exceso: se nota que no hay mucho dinero (secundarios y extras flojitos, escenarios algo desángelados, pocos efectos especiales y ago cantosos...) y eso se intenta suplir con algunos efectismos que no suelen funcionar. Aún así hay ramalazos de imaginación que consiguen superar esas carencias.
 
Es resumen: esta serie es otro ejemplo más de que la Ciencia Ficción no consigue superar casi nunca su estrechez de miras a la hora de explorar -y explotar- todos los recursos que tiene a su disposición. En demasiadas ocasiones hay una absurda obsesión por hablar del sexo de los ángeles, olvidando que las series de TV se hacen con un objetivo esencial: entretener al personal. Si en vez de eso, nos dedicamos a hacer cosas absurdas y que sólo buscan llamar la atención, la cosa desemboca en idas de olla como Perdidos o Batllestar Galactica (con sus matices ambas). Tal vez si se centraran en contarnos algo coherente y entretenido en vez de intentar jugar a ser genios, otro gallo cantaría.
 
A pesar de todo Torchwood tiene algunos capítulos muy buenos que, esta vez sí, dan de pleno en el clavo. Es en esos momentos donde se demuestra que se puede hacer Ciencia Ficción sin necesidad de resultar pomposos y pretenciosos (aburridos, al fin  al cabo). 
 
 PD: este post se refiere, sobre todo, a la primera temporada de esta serie.

Hola de nuevo a todos. El verano se nos ha ido definitivamente y espero poder volver, poco a poco y si prisas, a un ritmo aceptable en el blog. Últimamente he tenido problemas de tiempo e "inspiracionales" que han hecho que el número de entradas haya disminuido un tanto. Mi idea es que las cosas cambien, aunque de momento no puedo prometer nada...
 
El mes pasado me atreví con un post sobre series de TV, una idea que me rondaba desde hace tiempo para ampliar las fronteras del blog. Bien, pues esto va a ser algo más habitual a partir de ahora. Mi intención es hacer otro tipo de cosillas para enriquecer las lecturas y, de paso, sentirme algo más realizado y motivado. Espero que la novedad os haya gustado.

Emma Frost está decidida a proteger a los mutantes del nuevo “orden” instaurado en los USA por Norman Osborn. Con tal tendrá que pactar con el mismísimo diablo encarnado en algunos personajes que, de una u otra forma, formaron parte de su vida.

Curioso cómic este en el que asistimos a una serie de revelaciones acerca del pasado de Emma Frost que le dejan a uno un tanto descolocado. En la línea revisionista de los últimos tiempos marvelitas, Matt Fraction nos ofrece una historia corta en la que ata algunos cabos sueltos relacionados con lo visto en el cómic Dark Reign nª 0. Así vemos cómo La Reina Blanca y Namor mantuvieron en el pasado una relación bastante estrecha (por no decir otra cosa) e iniciaron una especie de alianza que se refuerza en nuestros días. Una idea interesante que está muy bien contada y desarrollada:

El guionista consigue que haya química –y mucha- entre Namor y Emma (no en vano son dos personajes parecidos en ambiciones y personalidad), dejando momentos realmente tórridos e intensos entre ellos y abriendo interesantes puertas de cara al futuro (¿por qué no?). Ambos están muy bien retratados y son perfectamente reconocibles en todo momento, siendo esta la parte fuerte de un tebeo que, por lo demás, resulta entretenido (aunque con una trama un tanto rebuscadita, todo hay que decirlo).

Mitch Britweiser y Daniel Acuña se encargan del apartado gráfico: el español se encarga de los flashbakcs y su compañero de fatigas de los pasajes narrados en presente. Los dos cumplen a la perfección, complementándose más que bien. Yo me quedo con el tal Breitweiser y su estilo clasicón pero muy depurado y elegante. Todo ello sin desmerecer el excelente trabajo, como siempre, de Acuña.

Toda macrosaga que se precie suele dejar, a pesar de los pesares, algunos tebeos que merecen bastante la pena (aunque sean los menos y se den en series menores). Este es uno de esos casos: un cómic bastante bien dibujado y narradoque merece el precio pagado por él.

Mi primer post sobre series de TV es sobre una de las más gratas sorpresas que me he llevado en los últimos tiempos: True Blood.

Tue blood es una producción de esa fabrica de hacer obras maestras llamada HBO. En este caso han elegido a los vampiros como eje de una historia que transcurre, cómo no, en Nueva Orlenas, la capital mundial de los chupasangres. La protagonista es Sookie (la estupenda Anna Paquin/Pícara de la saga X Men), una joven con poderes extrasensoriales que se siente irremediablemente atraída por un vampiro llamado Bill Compton. Ambos inician una relación incierta que les llevará a meterse en no pocos líos y estrambóticas aventuras.

En el mundo de True Blood no sólo hay vampiros que intentan salir del “armario”, si no una amplia gama de seres sobrenaturales que comienzan a dejarse ver ante los humanos sin demasiados complejos. Tenemos cambiaformas, hombres lobo, magos, etc. que van saliendo a la luz en un entorno cada vez más extraño y sugerente. El problema es que los humanos no estarán muy dispuestos a convivir así como así con seres que amenazan su supremacía y esto generará no pocos conflictos "interraciales"…

Lo mejor de esta serie es que, por fin, se ofrece una visión de los vampiros algo más sofisticada –sin pasarse- y “seria” que la que hemos visto en decenas de producciones al uso. Al menos aquí no son todos un atajo de payasos sin el mayor interés si no que están tratados con bastante dignidad. Obviamente, aparecen algunos tópicos inevitables (el vampiro con sentimientos, etc.), pero contados con un sesgo más adulto y profundo.

Por otro lado tenemos una ambientación excepcional en la que no podía faltar la mágica Nueva Orleans como telón de fondo de las vivencias de un grupo de personajes muy particulares. La troupe que forman los protagonistas de la serie es de lo más ecléctica y divertida, pudiendo elegir entre un amplio abánico de individuos a cual más hilarante y entrañable.  

La primera temporada de esta serie se centra más en los personajes de la pequeña ciudad de Bon Temps (donde viven los protagonistas) para ir adquiriendo un tono algo más épico y vampirico en la 2ª entrega. En  esta última conoceremos mejor los entresijos de la comunidad de la sombras: las luchas intestinas por el poder, el origen de los más importantes vampiros de la vida de la pobre Sookie (Bill, Eric, Godric, etc.), etc. Poco a poco la trama irá creciendo en complejidad e intensidad, sin olvidar el cariz un tanto cómico e inocente de sus inicios.

True Blood es una serie distinta y especial, como todas las que salen de esa factoría de la genialidad llamada HBO. Sin abandonar nunca un tono humorístico y sanote, se adentra en un mundo oscuro y lleno de peligros que crea adicción. Otra pequeña gran joyita que, a buena seguro, hará las delicias de los amantes del género vampirico con un trasfondo genuinamente divertido. Por fin una serie de vampiros decente (ya era hora).

Supongo que muchos de nosotros ya sabréis lo de la polémica levantada por el comunicado de Ponent Mon, (editorial minoritaria que ha publicado algunas joyitas como Humunculus y que pedía en ese texto que la gente acudiera comprar sus tebeos para salvar el negocio). Bueno, pues ahí va mi opinión sobre el temita:

Me gustan bastante algunos de los tebeos que publica Ponent Mon pero tiene unos precios a los que yo no puedo llegar. Así de simple. Hace tiempo que decidí lo que quería pagar por la mayoría de los tebeos que compro y hay límites a los que no llego. Es decir, busco  rentabilizar mi ocio frente a la rentabilidad económica que persiguen las empresas que se dedican a publicar tebeos. Con mi reducido presupuesto busco la variedad y la calidad, pero eso muchas veces va reñido. No todo lo que compro me enamora pero sí le saco partido. Por eso no gasto todo en 3 títulos, si no que optimizo lo que tengo. Otros elegirán otra cosa pero yo prefiero esto.

Comprendo que Ponent Mon ponga esos precios a sus tebeos porque sólo así consigue –supongo- que el negocio sea rentable, pero yo no quiero pagar tal cantidad por un producto que me va a ofrecer 20 minutos de disfrute, frente a otros que, por el mismo precio, me ofrecen el triple. Es así de “sencillo” y no puedo hacer demasiado para evitarlo. Supongo que lo ideal sería que los comics de Ponent Mon costaran menos y así yo podría adquirir, pero entonces a lo mejor ellos no los publicarían… La pescadilla que se muerde la cola.

Lo lógico es pensar que si bajas los precios tendrás más clientes y venderás más pero no sé si esto funciona así de fácil en el mercado actual… El caso es que los precios, pase lo que pase, nunca bajan de un limite y eso hace sospechar un poco de la “competencia” y si realmente nos están tomado a todos el pelo (sin cifras de ventas ellos juegan con ventaja siempre). El mercado siempre está mal (o eso se dice), pero ahi sigue.. ¿No será que no está tan mal y es todo pura pantomima?...

Y ahora llegamos al epicentro del asunto: en mi vida he asistido al milagro de ver como una editorial que baje sus precios. Ni en tiempos de crisis ni, por supuesto, en tiempo de bonanza. Sólo veo subidas y subidas y me pregunto:¿por qué siempre pago yo?... Pase lo que pase, al final siempre somos los mismos los que pagamos y uno se cansa mucho de que siempre sea lo mismo.

Lo siento pero no puedo ver a una editorial como una pobre empresita que lo pasa fatal y a la que hay que ayudar a sobrevivir. CUANDO LES VA MAL ME PIDEN AYUDA, PERO, ¿QUÉN MIRA POR MÍ CUANDO SOY YO EL QUE LO PASA MAL?... No veo que se preocupen por m´ñi o no saben transmitirlo, la verdad. Muy pocas veces he sentido que scrificaban algo por darme a mi un gustazo... más bien todo lo contrario.

En resumen: ahora la cosa está mal para todos pero para algunos lleva mal toda la vida. Pagamos demasiado por algo que a veces no merece la pena pero tenemos que apoqunar porque siempre nos dicen "lo tomas o lo dejas"... Antes eso valía pero ahora... Se siente.

PD: comprad tebeos de Ponent Mon. Yo lo haré, seguro.

En las anteriores obras de Kasuo Koike y Goseki kojima publicadas por estos lares (hablo de Lone Wolf and Cub y Asa, El jecutor) asistíamos a una recreación magistral del Japón feudal desde dos perspecitias bien distintas: la de un samurai despojado de su honor en busca de venganza y la de un hombre “de ley” abocado a cumplir un gris destino heredado por las obligaciones familiares. Bien, en este caso, los autores fijan su objetivo otro de los “escalafones” de la sociedad nipona de la época: los ninja.

Los ninja (famoso asesinos incorporados con fuerza a la cultura popular japonesa y a la nuestra) formaban un cuerpo de élite cuyo objetivo era el de actuar como guardaespaldas/espías al servicio abnegado de su señor. Su misión era hacer todo aquello que les fuera ordenado sin ningún tipo de miramientos y pasando por encima de cualquier cosa. Para cumplir sus objetivos, estos individuos eran entrenados desde muy niños para aprender múltiples disciplinas. Los elegidos sufrían una vida de privaciones en aras del bienestar de su señor. Un alto precio a pagar en una época de oscuras maquinaciones políticas y violentas pugnas por el poder..

El tono de esta serie es algo distinto a otras de las obras de estos autores arriba mencionadas. No hay tanta épica como en Lone Wolf and Cub  ni tanto costumbrismo como vimos en Asa el Ejecutor, si no un camino intermadio con un toque más político (sin olvidar la poesía y la profunda humanidad que transmiten la mayoría las historias). A través de los ojos de Hattori Hanzo (el que fuera fiel sirviente de Ieyasu Tokugawa, el unificador del Japón) vemos como el poder transforma la vida de dos personas unidas por un destino del que reniegan pero del que no pueden escapar. Dos niños que crecen para convertirse en dirigentes que no pueden mostrar debilidad ni temor ante nadie. Así vemos una evolución desde la ingenuidad de la vida sin preocupaciones hasta la asunción de un poder que conlleva terribles perdidas y sinsabores. 

El dibujo de Goseki Kojima no le va  al zaga al excelente guión del manga. Plagado de fuerza y sutileza, el trazo del artista nos ayuda a meternos en las historias de Koike hasta quefdar atrapados sin remedio.

En resumen: otra joya que nos regala pequeñas historias humanas enmarcadas en una trama mayor que habla del alto coste que supone asumir un poder extraordinario. Una mezcla de realismo y magia capaz de emocionar y atrapar hasta el final.

Tras la caída en desgracia de Tony Stark y la subida al poder de Norman Osborn y sus “Vengadores Oscuros", el grupo de héroes más importante del planeta ha quedado desperdigado y sin un fin concreto. Sólo la aparición de un peligro superior (con sorpresa incluída) obará el milagro de unir a los viejos aliados.

La llegada de Dan Slott a  Poderosos Vengadores puede ser un soplo de aire fresco en una serie que llevaba u tiempo de capa caída. El ex guionista de series como Hulka (en una muy buena etapa) tiene un tono humorístico parecido al de Bendis y en entre primer número ya hace gala de ello, dejando algunos momentos bastante divertidos (sobre todo a costa de ese personaje tan simpático llamado Amadeus Cho). Por lo demás hay detalles para la esperanza:

El grupo elegido para este nuevo grupo de los Vengadores (ya tenemos en danza al menos tres “franquicias”) tiene algunos elementos que me gustaron bastante. El primero es la vuelta de Hercules, acompañado por el mencionadO Amadeus Cho, una pareja que seguro, dará mucho juego. También están presentes la “perdida” Yocasta (sé muy poco de ella pero siempre me ha gustado), El USAgente (otro desconocido), La Visión (esta nueva versión tan poco interesante) y Estatura, una de los componentes de los Jóvenes Vengadores. Todo ello redondeado con la vuelta de un personaje mítico que llevaba un tiempo en stand by y el interés por explorar el uevo status del Hombre Hormiga… Un equipo bastante extraño y que parece el ejercito de Pancho Villa pero que en manos de Slott puede dar mucha, mucha,  “guerra”.

Aparte de esto, poquita cosa mas que contar. Típico número de presentación que cuenta con el dibujo un tanto flojito de un Khoi Pack al que le faltan muchas tablas pero que tiene algo especial. En principio su trabajo es algo desigual, mezclando páginas mejores con algunas un poco menos cuidadas. Supongo que irá mejorando con el tiempo (seguro).

Esta nueva etapa de Poderosos Vengadores (otra más) tiene al aliciente de contar con un guionista que tiene mucho talento como Dan Slott y la desventaja de ser una seria que no parece tener un rumbo fijo. De momento sólo puedo decir que  a un guionista así siempre hay que darle un poco de chance. Otro inicio de ciclo que habrá que valorar con el tiempo…

Ojo de Halcón y Pájaro Burlón se han reencontrado después de vivir múltiples vicisitudes en los últimos mese. Ambos han vivido mucho tiempo separados y ahora no saben muy bien cómo retomar su incierta relación. Para colma la chica parece muy poco dispuesta a volver a ser una heroína bajo el mando del gobierno y pretende ir por libre.

Me compré este tebeo por pura curiosidad y a sabiendas de que me podía encontrar un producto algo “descafeinado” con claros fines lucrativos. Y la verdad es que no es gran cosa lo que ofrecen estas páginas:

Lo primero que cojea del tebeo es que la pareja de protagonistas, Ojo de halcón (ahora Ronin) y Pájaro Burlón, no consiguen conectar demasiado ni entre sí ni con el lector. No veo la química exigible a una pareja que lleva tanto tiempo junta y tampoco ayuda el hecho de que la caracterización de ambos sea un poco floja. Los personajes parecen demasiado jóvenes y no se nota esa madurez que deberían tener los dos curtidos vengadores (ya la propia imagen de los dos es muy juvenil para mi gusto). La historia no emociona, no tiene esa fuerza que cabría esperar para una trama que tiene tintes bastante dramáticos (la “muerte de Pájaro Burlón, la tragedia del propio Ojo de Halcón, etc.). Por último, tenemos un argumento (el de los pesaditos terroristas de IMA de vacaciones en España) un tanto enrevesada que no ayuda demasiado a reflotar el asunto.

De lo mejor del cómic es el trabajo de David López, un dibujero que me enamoró en la serie Catwoman de DC y que en esta ocasión está un poquito más flojo, aunque salga más que airoso del trance. Un trabajo completito que deja buen sabor en el paladar.

Lo dicho: un cómic para andar por casa que carece de la “chicha” suficiente pero que tampoco es una lectura horrenda. Supongo que me compraré el segundo número para comprobar si la cosita levanta el vuelo...

Norman Osborn ha reunido a algunos de los peores villanos del universo Marvel y les ha prometido una nueva era de mal y prosperidad para que todos tengan aquello que más desean. El plan es repartirse el “pastel” de este nuevo “reinado oscuro” mientras que los héroes están sometidos al nuevo orden….

Este tebeo me ha dejado un poco despistado. La idea de la reunión de los villanos suena a trillada de narices pero no cabe duda de que todos los malosos que se unen bajo el mismo mando (de momento) son personajes con carisma (el problema es que algunos es como si no estuvieran, como es el caso de un Namor horrendamente caracterizado). Es decir, ni Bendis (ni Marvel) se han estrujado el coco a la hora de planear este Reinado Oscuro, pero la idea tiene su interés… Interés que se acrecienta con la presencia de la Reina Blanca (muy buena la parte en la que “aparece” Kitty Pryde, cuyo papel en esta serie está aún por determinar) y un final bastante críptico que deja algunas atractivas puertas abiertas…

Ya he comentado que esto del Reinado Oscuro me parece una idea algo simplona, pero tengo que reconocer que Marvel está teniendo una gran virtud a la hora de contar lo que quiere contar: no se anda por las ramas. Puede que no guste lo que pasa o que esté poco y mal explicado, pero al menos deja la sensanción de que hay un plan concrreto (eso y la presencia de autores basnate decendentes en la mayoría de las  colecciones). Eso hace que uno se pueda sentir menos defraudado con todo lo que hemos leído en los últimos meses. Además, Osborn –que sigue sin parecerme nada del otro mundo- está adquiriendo, poco a poco, algo más de peso en las historias y parece un enemigo más potable y creíble.

Lo que no se salva por ningún lado es la versión de Maleev de algunos villanos míticos de Marvel como Namor o Loki. Es muy complicado entender como es posible que después e tantos y tantos años de historia, un dibujante pueda hacer una interpretación tan chusquera de unos personajes con tanto bagaje detrás… Por lo demás, el tío está muy bien y cumple con creces, aunque ese “pequeño pero” desluzca su trabajo.

Poquito más podemos ver en este tebeo de presentación de una saga que promete ser, al menos, entretenida. De momento hay algunas cosas que me invitan a pensar que la cosa puede estar mejor de lo que me esperaba.   

Norman Osborn ha reunido a un grupo de personajes de lo más variopinto que deben formar los nuevos2 vengadores a su servicio. El objetivo del tipo es hacer de este nuevo equipo su propia guardia pretoriana que le ayude a dominar los Usa a su antojo y sin ningún tipo de oposición.

Sólo el título de esta serie –Dark Avengres- le hace a uno ponerse en guardia a la hora de empezar a leer el cómic. La idea del tebeo no es más que una excusa, huelga decirlo, para que Marvel se monte un nuevo grupito (una nueva serie para sacar más pasta) a sumarse al buen número de cabereas que llevan ya el “sello” de los vengatas. Y la verdad es que, aparte de eso, no hay mucho que rascar:

La gran carencia del tebeo es que no se detiene a explicarnos como es posible que personajes como El Vigía o Ares se unan a un grupo como el que propone el loco de Osborn. No es que sea una idea totalemnte incríeble, si no que falta un desarrollo que permita hacer más digerible el asunto. Por ejemplo; uno se puede tragar que Osborn pueda chantajear a un personaje débil como El Vigía, pero si no lo explican con un mínimo de picardía suena todo fatal. Y lo mismo pasa con Daken (el hijo de Lobi), al que reclutan de la forma más chorra del mundo sin mayores explicaciones. Cuela mejor lo de Piedra Lunar (esta es la cuerda de su jefe), un personaje que cada vez me gusta más y al que vemos suplantando a una Miss. Marvel que, como no podría ser de otra forma, renuncia a formar parte de la merienda de negros que le proponen. En este caso sí se nota un mejor tratamiento del personaje, no como en los antes mencionados.

Tampoco se nota demasiado la mano de Bendis, al que el tono de la serie no le va demasiado. No sé por qué, pero yo le veo como un autor más “cercano” y no me pega en un grupo tan extraño y con personajes tan ajenos a él. De hecho apenas se nota su mano en casi ningún momento y pudiera parecer que ha tenido poco que ver en la “cocción” del cómic (algo perfectamente normal si tenemos en cuenta que ya trabaja en un buen número de series, el chico). 

 El notable trabajo de Mike Dodato Jr. ayuda a que el comic salga airoso. Otro excelente tebeo de este artista que viene dejando muestras de su gran calidad en buen número de cabeceras Marvel. Una gozada que ayuda a digerir una trama flojita.

En resumen; una idea que podría estar mucho mejor contada y expuesta se queda en un tebeo normalucho. Con todo, tiene algo que hace interesarse po la continuación de la historia. Supongo que el elenco de personajes, a cual más extraño, ayuda a mantener un poquito la intriga. Seguiremos en contacto..

Hace tiempo que me da la sensación de que Tarantino hace cine para él y para el gran público si importar si gusta a los estudiosos (críticos o lo que sea) del medio. En esta Malditos Bastardos vuelve ha demostrar esto y que comprende perfectamente  y ama profundamente el medio en el que trabaja. No hace cine para estudiarlo o mostrarlo en los “museos” si no para disfrutarlo sentado en la butaca. No hay pretensiones por ningún lado, si no ganas de hacer algo que entretenga al personal.

Malditos Bastardos es un homenaje (otro más) al cine bélico tan de moda en la décadas de los 60 y 70. Sus referentes están muy claros y Tarantino no se molesta en ningún momento en ocultarlos. ¿Para qué?... ya ha demostrado en innumerables ocasiones que no quiere inventar nada, si no hacer las películas “de antes” a su manera. Nunca ha pecado de la pretenciosidad de la que han pecado otros y esa ha sido, quizás, su gran virtud. Sus filmes son homenajes al cine pasados por su particular tamiz (rozando siempre la parodia pero con una enorme sutileza y bue gusto), siendo capaz de aportar cosas nuevas sin necesidad de hablar del sexo de los ángeles. ¿Funciona?... Vaya sin funciona…

Tarantino ha creado un estilo, personal e intransferible y eso es muy complicado. En esta nueva película vuelve a conseguir que una historia bastante simple y algo absurda resulte divertida, intensa y sumamente entretenida. El film se abre con una escena magistral (para mi, lo mejor de toda la película) que reúne la esencia del cine tarantiniano a la perfección y va creciendo poco a poco hasta desembocar un clímax final digno de la alocada trama planteada. En medio hay unas cuantas escenas extraordinarias (la de la “emboscada” en la taberna, la comida con Goebbles y Landa, la primera aparición de los Bastardos en acción, la llegada de los bastardos al cine como e ejercito de pancho Villa, , etc.) que demuestran que Tarantino maneja los tiempos cinematográficos como pocos. La trama mezcla momentos de acción desenfrenada con estas pausas muy bien dosificadas que enriquecen mucho la historia. Hay que reconocer que algunas son un poco largas pero son sencillamente deliciosas y están perfectamente contadas. Es ahí, en esas "pequeñas" perlas, donde Tanrantino demuestra que es mucho más que un niñato con pasta dispuesto a hacer cine. Sin ellas esta película sería una más y por ellas cobra una nueva dimensión. 

Malditos Bastardos no pretende dar lecciones de historia y huye como de la peste de lanzar ningún tipo de moralina o mensaje político. En eso Tarantino ha sido bastante claro: nada de visiones lacrimógenas de la II Guerra Mundial y sí mucho de divertimento y cine palomitero. El que  espere ver algo parecido a La Lista de Schindler que se lo quiete de la cabeza porque se encontrará algo muy distinto.

Por lo demás, decir que la película tiene una factura estupenda y que el nivel actoral es muy alto. De todo el reparto yo destacaría al histriónico y genial Chistoph Waltz como el caza judíos Landa y a Daniel Bhrül (Good Bye Lenin) como el joven héroe nazi que se enamora de la judía Sozanne (interpretada con bastante holgura por Melanie Laurent). De Brad Pitt poco que comentar. Hace tiempo que creo que se ha estancado un poco en su carrera y que no es capaz de huir de unos clichés que impiden que crezca como actor. Esta vez hace un papel distinto (ni guaperas ni tipo raro) pero sin demasiada enjundia. El hombre cumple y divierte pero a mí no me dijo nada más allá de eso.

En resumen, Malditos Bastados es un divertimento ácido y fresco que cumple a la perfección con su objetivo de entretener al gran público. Tiene un gran ritmo (aunque a mi me sobra algo de metraje) y alguna escenas magistrales que demuestran que Quentin Tarantino es un director como la como de un pino. No es una obra maestra ni busca serlo, si no simplemente un homenaje a todo un género y a una forma de hacer cine que ya no se destila. Un producto de consumo masivo pero con algunos toques que lo hacen subir un peldaño por encima de la mayoría de las cintas que se estrenan todas las semanas en todo el mundo. Una película notable.

Después de un septiembre ajetreado en el que apneas pude postear, volvemos a la “rutina” de nuevo. Octubre, en principio, se presenta bastante parecido a los meses anteriores en lo que al blog se refiere. Menos posts que antes pero más elaborados y algún que otro extra que anda en mi cabeza.

ES LA HORA DE VOLVER...

Como siempre, Marvel se llevará la palma hasta que me ponga al día en DC (que ando muy perdido). Estoy a la espera de hacerme con Los primeros números de Reinado Oscuro para poder hablaros de ellos. También tengo ganas de leer Vengadores Oscuros a ver de qué va la cosa. Por lo demás, habrá rotación de series, con lo que volverán algunas como El Capitán América, La Patrulla X, X Force, Poderosos Vengadores, etc. Eso y algún regalito para vosoros, por supuesto (ya tengo algo preparado por aquí)…

Espero recuperar el ritmo poco a poco aunque veo complicado llegar a los posts de antes del verano. De momento creo que es mejor hacer poco y bueno que mucho y aburriros con lo mismo. Ya me contareis que os parece el “material” de este mes…

Muchos saludos a todo y disfrutad de los últimos coletazos veraniegos.

Una vez neutralizada la amenaza skrull los vengadores deben enfrentarse a una doble tragedia: la muerte de la Avispa y la desaparición del hijo de Luke Cage y Jessica Jones. El padre de la niña está desesperado por recuperar la pequeña y estará dispuesto a hacer lo que sea por hacerlo…

Pero no todo es malo para nuestros héroes ya que el nuevo Capitán América es acogido en el grupo con toda normalidad. Una nueva etapa se abre para Los Nuevos Vengadores y, con Norman Osborn en el poder, no parece que las cosas vayan a ser mucho más sencillas que en el pasado reciente.

Esta serie llevaba un tiempo siendo una suma de “retales” que, siendo interesantes, tampoco tenían un hilo conductor demasiado claro. Los Nuevos Vengadores ha sido un cajón de sastre durante muchos números en los cuales apenas se “hablaba” del grupo como tal. Es decir, más que la colección de un grupo lo que hemos tenido ha sido una sucesión de especiales sobre Invasión Secreta que no tenían demasiada relación entre sí y funcionaban como one shots. Ahora Bendis quiere recuperar esa idea de conjunto y ciertamente se agradece volver a leer algo que tenga que ver con el título de la serie:

En el número 45 de esta cabecera se abre una nueva vía bastante interesante centrada en la búsqueda del hijo de Jessica Jones y Luke Cage. Se trata de un tema que puede dar bastante juego (sólo hay que ver la viñeta final de ese tebeo) y que vuelve a indagar en la relación entre Power Man y su compañera de fatigas. Ya en el número 44 de la serie Bendis volvía ha hablar sobre sus personajes fetiche en un excelente y emotivo número en el que nos “recordaba” el primer encuentro de la pareja (un gran cómic que nos retrotrae a los tiempos de la seria Alias) y ahora vuelven a cobrar protagonismo en una trama que promete bastante.

Aparte de eso, el nº 45 supone una “presentación” en la que asistimos a la reorganización el grupo con el nuevo Capi, que es acogido con naturalidad. Todo aderezado con un par de bromas de Bendis y el dibujo de Billy Tan, ese artista que tan buena pinta tiene y que lleva ya unos mesecitos dejando huella en esta cabecera. Un cómic con poca chicha pero que sabe a reencuentro después de un tiempo en el que apenas hemos visto a Los Nuevos Vengadores en su serie…

Por fin vuelve el equipo al completo y sólo cabe esperar que haya cierto descanso de tanto número rellenil y nos dejen unos mesecitos seguir la aventuras del grupo (porque esto era un grupo, ¿no?).

Loki sigue tejiendo su tela de araña con paso lento pero seguro. Su objetivo último no puede ser otro que la destrucción de Thor y para ello estará dispuesto a todo (incluso a aliarse con la temible Hela).

Esta serie continúa a un nivel desconocido en los últimos años. Straczynski sigue dando lecciones magistrales como la del nº17, en la que recupera a Hela, un personaje de peso que reaparece de una forma novedosa, fresca y original. La tenebrosa diosa se escondía nada más y nada menos que en Las Vegas, la ciudad del pecado por excelencia. Strac usa a Hela para indagar aún más en la oscura personalidad de Loki (personaje que gana protagonismo página a página) y el complejo de inferioridad que le arrastra a buscar venganza contra Thor, por el que siente una insana y visceral envidia. Otra pequeña joyita.

El bueno de Oliver Coipel sigue inconmensurable. Las dudas que tuve sobre su trabajo en los primeros números de la serie se han ido despejando poco a poco y ahora sólo puedo decir que su labor es la mejor que he visto en esta serie desde hace mucho tiempo. El artista francés ha conseguido dar en el clavo con su versión del universo de Thor, captando su esencia legendaria y aportando nuevos matices. En principio su particular visión de los personajes y los escenarios icónicos me pareció algo fuera de lugar pero el hombre ha conseguido despejar mis dudas a base de un trabajo concienzudo en el que se ve un cariño especial por los personajes y unas ganas de agradar enormes. Asumió un riesgo y ha ganado la apuesta por la mano.

En la siguiente entrega de la colección (nº18), Strac y Coipel van al banquillo y dejan su lugar a Mat Fraction y una pléyade de dibujantes de gran nivel para componer una historia que gira en torno a la figura de otro personaje que hacía tiempo que no se veía por estas páginas: Skurge “El Verdugo” (héroe que tuvo mucha enjundia en la etapa de Walt Simonson en la colección del Dios del Trueno). En este sentido tenemos una historia plena de melancolía y belleza sobre el noble guerrero muerto hace tiempo. Fraction se marca un pedazo de homenaje en toda regla con un intenso tono épico y lleno de acción. La aportación de dibujantes de estilos tan dispares como Mike Allred (magnifico, como siempre), Doug Braitwaite y Miguel Angel Sepulveda completa un cómic muy emocionante y entretenido.

Esta serie sigue de dulce. Ni siquiera los fill ins hacen que decaiga la fiesta. Si Strac está que se sale en la serie “regular”, los “especiales” de Fraction son otra maravilla. La alternancia de ambos guionistas (con estilos muy distintos) no sólo no corta el “ritmo” de la colección, si no todo lo contrario: los dos se complementan a la perfección, creando una simbiosis perfecta entre el tono más “realista” de uno y la fantasía épica del otro. Un dúo casi perfecto que nos está dejando unas historias realmente excepcionales.

Tras los recientes acontecimientos Tony Stark ha caído en desgracia y se ve obligado a abandonar su cargo en SHIELD. Organización que es desmantelada por el gobierno. a partir de ahora, el míticoco vengador deberá buscar su lugar en el mundo y, de paso, huir de las garras de un Norman Osborn más resentido que nunca.

Por su parte, James Rhodes –máquina de Guerra- iniciará su cruzada en busca de justicia, interviniendo en distintos conflictos a lo largo del orbe. El compañero de fatigas de Tony Stark tiene libertad de movimientos gracias a la avanzada tecnología proporcionada por su amigo.

Nueva andadura de la serie del Vengador Dorado común nuevo equipo creativo: y Salvador Larrea. Pocas conclusiones se pueden sacar de este tebeo pero en principio la cosa tiene muy buena pinta. Me gusta la idea de enfrentar a Osborn con Tony Stark, uno de los ejes sobre los que, parece, va a girar la serie. El archienemigo de Spiderman es cojonudo como villano psicópata, pero si lo sacan de ahí, pierde mucho. No me cuadra como una especie de mente criminal en la sombra pero sí como un animalejo dispuesto a todo con tal de hundir a sus enemigos. En ese rol sí que me lo creo. Por lo demás, el nuevo guionista ha decidido también quitar a Tony los poderes que le otorgaba Extremis, para hacerlo así más humano y vulnerable (algo que da más juego que manejar a un personaje prácticamente invencible). Poco más, que reseñar, salvo algunas bromitas a costa de los devaneos amorosos de Tony que no desentonan nada. Buen número inicial.

A los lapices tenemos al bueno de Salvador Larroca, que vuelve a intentar superarse a sí mismo después de haber dado “tumbos” por muchas cabeceras Marvel. Ya he dicho varias veces que este dibujante tiene algo, pero que no acaba de encontrar su estilo. Yo cada día le veo más cerca de esa madurez, aunque es cierto que le está costando mucho. De momento en estas paginas está bastante bien y se notan sus ganas de agradar. Yo siempre le doy una oportunidad, a pesar de que lleva un tiempo sin avanzar demasiado. Esperemos que acabe por explotar de una vez…

Sobre la serie Máquina de Guerra decir que me han gustado mucho los números que aparecen en este tebeo. Tanto el prologo como la primera entrega de esta colección están realizadas por Greg Pack y Leonardo Manco, dos autores con cierto prestigio que cumplen con creces. El guionista nos “regala” dos pequeñas perlas en forma de historias cortas y bastante crudas que dejan cierta sensación de inquietud. El tono de Pack es bastante truculento y parece que se va centrar en tramas oscuras de tinte bélico en las que Rhodes será una especie de agente encubierto con pocos miramientos (se elimina la “sutileza” de sofisticado espía  que debe usa Tony). También hay un tonillo cínico y un sutil humor corrosivo muy bien osigficado y que llega a encender una sonrisa. Estas dos píldoras dejan un regusto agradable  y el dibujo de Manco ayuda bastante a que cuajen (a pesar de que su trazo -con un toque Simon Bysley- es algo recargado en algunos momentos). Una colección a seguir.

Bun número este que hace que la cabecera sube enteros después de las entregas anteriores. desde luego, los equipos creativos que se han elegido para las dos series son de los mejorcito del panorama actual y son un reclamo por sí mismos. Veremos si el asunto cuaja.

Ojo de halcón y Lobezno encuentran a la hija del primero pero no son precisamente bien recibidos por niña. La muchacha ha decidido que el camino villanesco es mucho más facil y cómodo que la vida de héroe…

Que pillo es Millar, el tío sabe cómo y cuando cambiar el ritmo de sus historias para que sean entretenidas, intensas y profundas al mismo tiempo (ahí están también sus 4-F para demostrarlo). En este comic consigue eso y mucho más, presentándonos una versión de Lobezno distinta enmarcada en una aventura que sirve como mero entretenimiento pero también como algo más: un viaje “iniciativo” de dos personajes ya ancianos y con las 7 vidas agotadas pero que buscan reencontrarse con ellos mismos.

Millar no peca, como en otras s de sus obras, del uso de fuegos artificiales  que enmascaren la ausencia de algo que contar. En este caso sí que quiere contar algo y lo hacer de una forma que no canse ni aburra pero tampoco sea excesivamente comercial. No hay duda de que algunas de las cosas que aparecen en la trama son un poquito absurdas pero da la sensación de que están ahí por algo y no por que sí. La versión del futuro de los héroes del guionista británico no es muy original pero sí personal e intransferible. Elementos que en otras circunstancias resultarían ridículos, aquí encuentran su lugar, conformando una atmósfera surrealista pero creíble al mismo tiempo. Un mundo muy sugerente y mágico en el que incluso los elementos más fuera de lugar encajan muy bien. La “visión” futurista de Millar funciona como pocas veces se ha visto y seguro que será recordada durante mucho tiempo (como lo fueran otras míticas como las de Futuro Imperfecto de Hulk, la muti Dias del futuro Pasado, etc.).

Lobezno aparece como un personaje con matices (gracias también a la excepcional versión de un McNiven que puede con todo), atormentado por su pasado y con un peso enrome encima. Millar nos  descubre con toda su crudeza las causas de esa oscuridad que rodea a Logan en un tétrico pasaje que le deja a un con un mal cuerpo de órdago (McNiven –otra vez- mediante). Por su parte de Ojo de Halcón sigue siendo el compañero perfecto para Logan. Siempre más dispuesto a una buena juerga, funciona con o contrapartida cómica a las mil maravillas. Todo un lujo al más puro estilo “La extraña pareja”.

El Viejo Logan es una mezcla casi perfecta de marketing y calidad en un mismo tebeo. El reclamo de Logan siempre vende pero, si además de usarlo como era excusa en la portada se consigue contar algo decente sobre el personaje, etendremos un tebeo distinto y muy recomendable.

Norman Osborn ha abandonado la dirección de Thuderbolts y no parece dispuesto a dejar ningún cabo suelto. Sus antiguos subordinados saben muchas cosas sobre su pasado y el nuevo hombre fuerte de la seguridad USA no parece por la labor de permitir que esos oscuros secretos salgan a la luz…

Después de Invasión Secreta Marvel ha decidido dar un vuelco total esta serie. Para ello ha dado el mando de las operaciones a y Roberto de la Torre. Ambos se han tomado muy en serio la cosa y en un par de números han disuelto al grupo con suma facilidad, dejando la colección un poco “huérfana” de un protagonismo claro (que nunca tuvo) pero dándole un buen meneo que necesitaba como el comer tras unos meses de franca decadencia:

Varios miembros del grupo como Pájaro Cantor y El Hombre Radioactivo, abandonan la nave para dejar el protagonismo a otros de los desquiciados miembros del “equipo”. Esta marcha resulta bastante traumática y entretenida, puesto que el nuevo guionista de la colección hace que todo transcurra a gran velocidad, introduciendo bastante acción y, por qué no decirlo. mala uva. Su trabajo me ha recordado al del añorado Warren Ellis de los primeros tiempos de estos Thunderbolts. Tebeos están  llenos de acción y de un humor “pesado” pero dosificado con inteligencia. No son cómics portentosos pero sí muy dinámicos y que se leen de un tirón.

De la amalgama de personajes raritos de la serie el que  mejor parado ha salido en los últimos meses ha sido, sin duda, Pájaro Cantor. La chica era la única, junto con el Hombre Radioactivo, que ponía un poco de cordura y sensibilidad en medio del tanto psicópata. En esas el personaje ha crecido bastante y he llegado acogerle cariño. De los demás, apenas se salva ninguno y se presentan más como objetos decorativo/provocativos que otra cosa. Esto no es malo de por sí, pero cansa si se usa en demasía. Así, algunos miembros del grupo como Piedra Lunar resultan interesantes y frescos pero otros como Veneno o Bullseye resultan predecibles y están (estaban) claramente desaprovechados.

El dibujo de Roberto de la Torre es muy bueno. Ya me encantó en Iron Man y aquí, aunque cambia un tanto su trazo, raya a un nivel altísimo otra vez. En esta ocasión hace un trabajo algo más oscuro y sucio (muy acorde con el tono de las historias) pero completo y repleto de fuerza e intensidad. Si además de tener talento a raudales el chico es versátil, apaga y vámonos...

Esta nueva etapa de Thunderbolts comienza de forma inmejorable. Dos cómics muy entretenidos y que rompen con el pasado para abrir nuevas puertas. Yo me apunto a esta nueva etapa.

Lady Bullseye descubre a Matt sus verdaderas intenciones para con él pero éste no parece dispuesto a bailarle al agua. Nuestro héroe no está por la labor de ser un títere en manos ajenas… Bastantes problemas tiene ya en su vida como para meterse de lleno en la boca del lobo.

Brubaker ha metido en la misma coctelera algunos de elementos imprescindibles en la trayectoria de DD: los ninjas, los líos amorosos, las trifulcas judiciales, etc. Eso y un buen número de personajes ligados a la historia reciente del personaje pero que no son sus “secundarios de cámara” (Spideman, Elektra, La Viuda Negra, Kigpin, etc.). Ha unido muchas de las referencias icónicas del personaje pero sin acudir en exceso a lugares comunes (todo lo posible que es esto). Todo ello para presentar una historia de final de etapa que promete ser espectacular (y lo está siendo).

Esta saga me está gustando mucho pero tiene algunos detalles que me han decepcionado un poco. Uno de ellos es que Izo, el nuevo maestro de Matt, no llega a cuajar, por mucho que Bru lo intente Es un personaje que se parece demasiado a otros ya vistos en innumerables cómics y películas y eso le resta credibilidad y peso. Tampoco me ha enamorado el final de la trama centrada en Lady Bullseye y la Mano… Parecía que la cosa iba para largo pero todo ”termina” de una forma un tanto precipitada (lo de Tarántula Negra y Tigre Blanco “poseídos” por la secta ninja me pareció bastante cutre y simplón para dos héroes de lo más interesante y aprovechables) y se pierde algo del encanto que rodeaba a la trama. Eso sí, el giro final de los acontecimientos y las “sorprendentes” motivaciones de Lady Bullseye resultan bastante ingeniosas. Aún así el asunto merecía otro final con algo más de enjundia y un poquito más desarrollado.

A favor de Brubaker decir sigue introduciendo poco a poco elementos que enriquecen las historias. Entre ellos destacan detalles como la “denuncia” de los padres de Milla contra Matt. Es un apunte que nos ayuda a comprender mejor la difícil situación que está atravesando el chico y su complicada relación con la mujeres (eso siempre). Parece que el diablillo no puede vivir sin tener el corazón en un vilo y la clave es saber si eso es así por simple mala suerte o porque él mismo lo busca inconscientemente (¿es masoca nuestro cuernecitos?). Luego tenemos la doble identidad de Lady Bullseye y su compleja personalidad. La verdad es que este personaje está adquiriendo nuevos matices poco a poco y cada día resulta un poquito más interesante. Se trata de una mujer maquiavélica y ambiciosa que no busca venganza ni redención, si no devolver a La Mano su antiguo esplendor y grandeza. No es pasional ni una rebelde sin causa si no más bien disciplinada y segura de sus objetivos en la vida (algo que le aleja de la anárquica Elektra, uno de sus “referentes” más claros).

Michale Lark sigue haciendo su trabajo con la misma seguridad y regularidad de siempre. Un dibujante serio y cumplidor como pocos. Es complicado pedir mucho más…

Brubaker está dispuesto a irse a lo grande y a buena fe que lo está consiguiendo. Quizás le ha faltado algo más de “chicha” en estos tebeos para hacerlos realmente buenos, pero aún así son muy buenos. cómics llenos de acción y suspense con toques de humor que dejan un regustillo la mar de agradable.  Que siga la fiesta.

Ni me acuerdo del tiempo que no hablaba de esta X Factor, aunque a decir verdad tampoco es que hayan pasado cosas demasiado sustancionsas desde la última vez que lo hice:

En estos meses hemos asistido a una saga centrada en Dawin en la que este se veía envuelto en un lío con un skrull que se hacía pasar por Longshot (ambos perseguidos por Hulka y una socia suya también skrull). Una historia divertida para salir del paso de la Invasión Secreta y que servía de lanzadera para la llegada a la cabecera del bueno del Longshot, un personaje muy querido por todos los fans mutis pero que llevaba mucho tiempo condenado a ocupar un discretísimo segundo plano. La nueva adquisición aportará mucha frescura a la serie tras la marcha de Layla Miller (qué gran personaje en manos de David) y nos devolverá sonrisa al ser el centro de muchas y muy divertidas situaciones…

Después de ese ínterin, Peter David parece querer volver a tomar las riendas de la serie y añadir cierto peso a las tramas –lo necesitaban- con un argumento que promete dar mucho juego: el embarazo de Siryn. Sin duda todo un acontecimiento que, además de ser el centro de muchas bromas, nos pone en la senda de algo más grande (o eso espero). De momento sirve para que Valerie Cooper -vieja amiga del algunos miembros del grupo- vuelva a la vida de X Factor de una forma no muy agradable…

El otro personaje que cobra protagonismo (¿otro futuro miembro del grupo?) en Darwin, uno de lo mutis de nuevo cuño que más me han  llamado la atención. No es que el chico sea la alegría de la huerta pero tiene algo que me gusta. Quizás sea pronto para valorar si tiene futuro pero en manos de un guionista como el que le ha “tocado” puede estar contento. Por lo pronto, veo un potencial importante por explotar en el chaval.

En el apartado gráfico destaca la presencia de Larry Stroman en un buen puñado de números. Se trata de un viejo conocido de la franquicia mutante que destaca por su estilo un tanto bizarro y caricaturesco que cuesta asimilar pero que tiene su encanto. A mí siempre me ha parecido un gran artista y su trazo le viene al pelo a una serie que tiene un aire surralista importante. Pero en Marvel no pensaron lo mismo y le dieron boleto a mitad de la saga de Darwin  pos-Invasión Secreta de forma lamentable. En su lugar pusieron a …, un dibujero con un estilo mucho más realista que el de Stroman y que es bastante cumplidor y talentoso.

En resumen: desde hacía algún tiempo la serie adolecía de cierta irregularidad y no parecía tener un rumbo fijo (supongo que esto se debe a las continuas macrosagas de turno). Ahora David parece dispuesto a devolverla a la “normalidad” y darle un notoriedad que había perdido. Ansioso estoy por leer los siguientes números de este oasis de calidad llamado X Factor.  

Pasó el mes de agosto y el verano se acerca inexorablemente a su final. Han sido unos meses de cierto descuido en lo que al blog se refiere y espero poder mejorar mis prestaciones enla última parte del año.

TÍO, ESTAMOS ESPERANDO QUE VUELVAS YA AL BLOG (glubs!!)…

En septiembre voy a seguir la tónica del verano: pocos posts pero de lo más cuidados y hechos con ganas. No quiero escribir por escribir y me centraré en pocas series para sacarles el mayor jugo posible. Lo malo es que este mes me pilla algo mal de tiempo y no creo que pueda currar todo lo que tenía en mente… Supongo que la cifra de posts se acercará a la decena y, a partir de ahí, puede aunque haya alguna sorpresilla (esperemos que sea así)…

En lo que a series ser refiere, volveré sobre Thor (una cabecera que esta de dulce), Daredevil, algo de mis amigos mutis (Lobezno seguro y espero recuperar X Factor), Capitán América, etc. Y, por supuesto, algo de DC, que la tengo muy abandonada a la pobre. Todo hecho con ganas y cariño, que es lo que cuenta.

Nos vemos en el blog a mediados de mes. Me gustaría que fuera un poco antes pero creo que va a ser complicado. Os echaré de menos. Cuidaos mucho.

No soy muy aficionado a las películas de artes marciales pero llevaba un tiempo queriendo ver alguna del tal Tony Jaa, una de las nuevas estrellas del género aparecida en oriente. No sé muy bien el por qué de mi interés pero no me lo pensé mucho a la hora de ponerme con Ong Bak 2:

Lo primero que hay que decir de esta producción es que es algo más que un film de tortazos a lo Jakie Chan. No se trata de una amalgama de combates sin ton ni son, si no de una historia –casi un cuento- de venganza en una época remota y turbulenta (una Tailandia oscura y mística). Desde el principio se busca impresionar con imágenes que transmiten una gran fuerza y belleza, metiéndonos de lleno en un mundo salvaje y violento. Este efecto se consigue con creces pero en algunos momentos la cinta se recrea demasiado en las imágenes supuestamente sugerentes, ralentizando la narración y perjudicando al ritmo de la misma. El preciosismo de las escenas (y la música) me gustó mucho pero quizás sobra algo de metraje (esa parte en la que se repite la huída del niño del inicio de la película). Así, si la primera parte del film es muy notable (bonita, dinámica y con ritmo), la última media hora pierde algo debido, en parte, a la pobreza de los escenarios y a un final que resulta algo apresurado y controvertido (para gustos, porque bajo mi punto de vista es bastante curioso)...

La trama de la película –la búsqueda de venganza por parte de un joven príncipe privado de su familia por un malvado señor de la guerra- no es nada del otro mundo pero consigue enganchar y, por momentos, emocionar. Hay que reconocer el gran esfuerzo de producción para recrear con todo lujo de detalles (y licencias) una pasado remoto, cruel y bello al mismo tiempo. Las escenas de lucha no están metidas con calzador si no que sirven a la historia que se pretende contar. Además, todas resultan espectaculares y tienen una plasticidad y fuerza asombrosas. Las coreografías están realmente elaboradas y no resultan pesadas en ningún momento (gracias, también, a que están dosificadas a lo largo del metraje con mucho acierto).

Lo dicho; esta Ong Bak 2 es algo más que una pelí oriental de mamporros al uso. Se trata de un film muy bien hecha en la que la historia está por encima de los puñetazos y cuya principal baza es la de la una estética magnética y evocadora, conseguida a base de una gran inversión (y buen  gusto). Su gran defecto radica en el exceso de metraje y un final algo flojo y apresurado, algo que no impide disfrutar de un buen repertorio de acción variada y mucha emoción. Un entretenimiento diferente al producto tipo del decadente Hollywood actual y que merece bastante la pena.

El Capitán América ha descubierto secretos acerca de las actividades secretas de Nick Furia que no le han gustado nada. Uno de ellos hace referencia a un misterioso joven de extraordinarios poderes llegado de un lejano país africano…

Este número extra de Ultimates 3 se centra en la figura de dos nuevos reclutas de Furia: Pantera Negra y Zarda, la diosa venida de otra dimensión. En el primer relato Jeph Loeb nos presenta la versión Ultimate del mítico vengador felino con algunas variantes sobre el original que lo “asimilan” al universo alternativo con bastante acierto. En este caso el joven es un nuevo “producto” del experimento Arma X y posee algunos poderes característicos, como son las garras de adamantium, factor de curación, etc. Su origen está narrado con eficacia en un relato que me pareció bastante mejor que toda la miniserie anterior junta. Ojo, que nadie espere una maravilla porque no lo es; sólo se trata de un relato eficaz y correcto pero que supera con creces el popurrí sin sentido del Loeb en los tebeos anteriores. Nada más.

La segunda  parte del tebeo vuelve a la tónica insulsa y efectista de las anteriores entregas de la serie. Si el personaje de Zarda (una diosa con extraordinarios poderes y muy malos modales que se parece bastante a Hércules, el personaje del Universo Marvel tradicional) no da mucho de sí, a eso se suma un guión  justito en el que priman (que sopresea) las peleas y las bromas de mal gusto. Un comic muy discreto que no despierta el más mínimo entusiasmo...

En el apartado gráfico destacan Marko Djurjevic y Rafa Sandoval en la primera mitad del tebeo y Ed McGuiness en las páginas restantes. Los dos primeros ayudan mucho a adecentar la entretenida trama de Pantera Negra y su compañero de fatigas (ayudado por el mismo Djurjevic y un tal Dexter Vines) hace lo que puede con un guión más escasito como el fondo de armario de Tarzán.

De haberlo sabido, casi mejor me compro este tebeo y paso de los anteriores. Dentro de lo malo, al menos lee uno algo medianamente legible...

La ofensiva de Puzzle contra El Castigador ha fracasado pero el bueno de Frank de verá sometido printo a nuevas amenazas. No hay respiro para nuestro "héroe" y los skrulls -y su "amigo" Stuart Clarke- no parecen dispuestos a darle tregua...

La saga centrada en Puzzle es la mejor historia larga que he leído en esta colección (aunque tampoco ha habido muchas). Tras una primera toma de contacto (la saga de los nazis), Fraction se marca unos números ciertamente divertidos en los que prima la acción y los mamporros pero en los que no renuncia a intentar indagar en la personalidad de Frank y otros secundarios de la colección como Bridge y Stuart Clarke. Lo bueno es que el guionista no abusa del tono paródico que pudiera haber tenido la historia con tan “particular" elenco de protagonistas (a cual más friki) y se muestra muy contenido en todo momento, buscando un humor negro menos grosero y parándose un poco a “observar” a los personales. Así, es evidente el crecimiento de los mencionados secundarios (Clarke cada vez me gusta más) y el hecho de que el guionista no se conforma con cubrir el expediente si no que busca hacer algo mas profundo que un cómic del castigador al uso. Lo malo es que ese intento resulta un tanto repetitivo porque eso mismo han hecho muchos escritores antes que él (y por eso la serie gana bastante cuando se centra en los secundarios)... Aún así hay que reconocer que el guionista se lo está currando y no está ofreciendo un cómic bastante trabajado y con un alto grado de madurez que se aleja un tanto de visiones más “logeras" del personaje.

El prblema básico a la hora de trabajar a con personaje tan trillado como Fank Castle es que todo lo que cuentes sobre él sonará a mil veces leído. La historia de la venganza, la culpa, la redención, es atractiva hasta cierto punto pero no da demasiado juego. Por eso Fraction tiene muy poco margen de maniobra y por eso ha hecho una serie más coral, introduciendo personajes que cambien un poco el tono de la serie en cada momento: Clarke es el personaje tragicómico de la colección. El perdedor que sigue a Castle porque su vida está bastante vacía y no tiene mucho más donde elegir. A mí me ha ganado por la mano y ha ido adquiriendo un protagonismo notable que se agradece mucho. Por su parte, Bridge es un tipo tan amargado  y oscuro como Frank (no olvidar que fue un mercenario poco escrupuloso) pero intenta lavar su imagen  a través de una pose de hombre de ley un tanto forzada. Los tres forman un triándulo interesante al que se añaden otros personajes que aportan gran variedad de matices a una serie que está viva y que tiene un punto de frescura muy agradable.

Fraction juega con los personajes para contarnos sus miserias y sus virtudes. Las tramas desarrolladas hasta ahora (la del Aborrecedor y la del Puzzle) son más bien una excusa para presentar a cada uno tal y como es y hacerlos interactuar en un medio de un mundo que resulta caótico pero no demasiado oscuro. De este modo los relatos no resultan cargantes ni pesados, si no dinámicos y frescos. Un acierto total que se refuerza con la sensación de que la serie va a algún lugar y que lo que pasa no es fruto de la casualidad. Es lo que tiene dejar hacer a un guionista durante un tiempo razonable (algo que ya viene siendo habitual en la Marvel actual en lo que al bueno de Frnk Castle se refiere)…

El veterano Howard Chaykyn (perro viejo este tío) aporta su granito de arena con un trabajo muy en su línea: suciedad y elegancia para retratar unos bajos fondos que se le dan como a nadie. 

En resumen, una serie que bien vale los 2 euricos que nos clavan por ella. No es la panácea pero entretiene mucho.

Tras el enfrentamiento entre el Hulk verde y el Rojo, este último es dado por muerto y abandonado en pleno desierto. Se sigue sin saber la identidad del misterioso ser pero parece claro que mantiene un oscuro lazo con Doc Samson y el amargado Trueno Ross…

Tras varios meses en los que he dejado reposar esta serie, una lectura “rápida” de los últimos números me ha dejado igual que estaba. Es decir, si en los primeros números apenas pasaba nada,  estas entregas se van en un "oportuno" -y desaprovechado- viaje a las Vegas del Hulk verde (Bruce Banner) y en la persecución de su homónimo rojo por parte de Hulka y un grupo de heroínas reclutadas para derrotar al monstruo. En esas 3 entregas (del 9 al 11) Loeb hace gala de su “maestría” habitual, agotando las páginas con una retahíla de peleas, situaciones absurdas (la de las extrañas y ridículas transformaciones de Banner en Las Vegas, la multitudinaria pelea entre el Hulk rojo y las vedettes de Hulka, etc.) y chistes bastante cutres (aunque alguno funciona por los pelos). También aparece por ahí El Caballero Luna para aportar su granito de arena al sarao que se marca el guionista sin comerlo no beberlo…

No sería justo decir que todo es malo en esta serie. Es más, creo que la cosa gana mucho con la división de las aventuras del Hulk rojo y el verde, creando una sensación de dinamismo que queda bien. Es una idea curiosa que, unida a la presencia de dos dibujantes de la talla de Art Adams y Frank Cho, salva en parte las naves y hace que la lectura gane mucho. La llegada de estos dos señores artistas (digan los que digan, a mi me encantan) hace que uno se olvide de la escasez de argumento y de un Ed Mcguinnes que a mí no había llegado convencerme del todo con su labor en la cabecera del Coloso Esmeralda.

Poco más que comentar… No sé muy bien si Loeb tiene algo que contar o si realmente quiere hacerlo… Sólo veo una muy poco disimulada intención de vender un producto a toda costa y sin estrujarse mucho la cabeza. Si es eso, yo lo compro y hasta puedo llegar a disfrutar un poco de la lectura, pero que nadie me pida jamás que diga que “esto” es algo más porque no lo haría ni aunque fuera el último tebeo del mundo y yo estuviera en una isla desierta.

PD: en el número 8 de la serie tenemos un especial curiosete fuera de colección que cuenta con el atractivo del guión de Peter David (la primera parte del tebeo). Un comic entretenido pero que hace preguntarse cómo es posible que el “despliegue” de imaginación de Loeb en Hulk necesite fill-inns…

El Profesor Xavier termina su periplo en busca de respuestas sobre su pasado y acude en busca de Cíclope para aclarar algunos asuntos pendientes. Una vez terminada la cita, y cuando parece que las aguas bajan en calma, el buen profesor deberá enfrentarse a nuevos e inesperados peligros…

Llevaba ya una temporada larga sin hablar de esta colección (llamada ahora X Men: Legado) y voy intentar ponerme al día sin dormir al personal:

Tras la no muerte del Profesor Xavier, Mike Carey se marcaba unos números (ya reseñé los primeros) en los que hacía un repaso de la trayectoria del “nuevo” Xavier que hemos ido descubierto en los últimos dos años. En esos tebeos el guionista intentaba replantear el personaje tras haber descubierto todos que no era ese trozo de pan que nos habían vendido:

La intención de Carey era, claramente, la de reconciliarnos con Xavier tras su caída en desgracia. A través de una trama un tanto liosa -en la que vemos como Mr. Siniestro había utilizado al propio líder mutante y a otros de los primeros homo superior que se dieron a conocer como conejillos de indias en un maquiavélico proyecto- el escritor hacía un acertado retrato  del personaje en el que lo ponía “al día” tras los tétricos sucesos del pasado reciente. Como siempre, Carey gana mucho en las distancias cortas y su retrato de jerarca mutante era muy correcto, incidiendo de forma más que notable en las motivaciones y las aristas del mismo. Otro punto a favor era la presencia de dos personajes que a mí se me antojan muy interesantes y que tienen cierto feeling con Xavier: Gambito y Sebastián Saw. El primero volvía a la primera línea de fuego en un papel secundario pero bastante agradecido y el segundo volvía a escena con unos planes ocultos que se irán haciendo más visibles a medida que avance la trama.

La gran lacra de estos tebeos es que suenan a algo ya contado muchas veces. Carey hace un loable intento por explicarnos algo que, siendo interesante, me recuerda a decenas de tebeos de mutis que he leído a lo largo de los años. Y mira que el guionista se esfuerza y está acertado pero a mí no me llega a llenar. El “cuento” de la culpabilidad, la redención, el sueño de Xavier roto (o no), etc. está ya muy visto y aunque está bien contado (con algún momento excesivamente pomposo) resulta algo repetitivo.

Los números 43 y 44 de X Men Legado se centran en un Lobezno que pide ayuda a Xavier para “encauzar” el camino de su recién descubierto hijo Daken. Estos tebeos tienen un interés especial puesto que enlazan las tramas de esta colección con las de Lobezno de una forma acertada y sorprendente. En realidad, más que la propia idea en sí (el hecho e que Logan acuda a su maestro, como tantas veces, en busca de ayuda), lo que le deja a uno descolocado es el sorprendente final que se marca Carey en el número 43 y el posterior desarrollo de una trama que tiene un poco de de todo (acción, intrigas, misterio, etc.) y que a mí me ha gustado mucho. A la casi siempre bienvenida presencia de Logan se une su vástago (un poco pánfilo el chico) y, de nuevo, un Club del Fuego infernal que aquí sí que aparece como una amenaza más “real” e inquietante. Además el guionista nos descubre nuevos recovecos oscuros del sueño de Xavier que, seguro, traerán bastante cola. Muy buenos tebeyos estos y muy alejados –por suerte- del tono de las entregas anteriores.

Los dos tebeos anteriores cuentan con la inestimable aportación de Mike Deodato Jr. en el apartado gráfico. El artista brasileño se marca unas páginas bastante chulas y completas a las que hay que añadir las sorprendentes –por buenas- maneras de un Scott Eaton que se sale de la mediocridad habitual para pegar un salto de calidad que quita el hipo. No sé que se tomaría el tío pero su trabajo no tiene mucho que envidiar al del veterano Deodato.

X Men Legado empezó con buen pulso y ha conseguido mantener el nivel con cierta holgura. El tono intimista y reflexivo de Carey no adentra en la personalidad de Xavier y algunos de sus discípulos de forma muy acertada pero se echa de menos algo nuevo entre tanto lugar común (no es exactamente eso pero lo parece). Eso sí, estos tebeos tienen un trabajo detrás que aporta un valor añadido importante y se nota que está hechos con cariño. No todos los días podemos leer comics de superhéroes en los que sus autores se molesten en intentar explicarnos por qué estos particulares personajes hacen lo que hacen (y, además, hacerlo bien). Sólo por eso merece la pena acercarse a esta cabecera.

Una vez descubierta la base del Club del Fuego Infernal, la Patru acude el lugar para sacudir unas cuantas bofetadas. Sin embargo, la presencia del joven mutante Émpata pondrá las cosas muy complicadas para nuestros héroes….

Me está gustando esta “nueva” Patrulla X. No es que la labor de Brubaker y Fraction sea nada del otro mundo ni que estén inventando la pólvora pero hay algo en sus guiones que me llama la atención. Se trata de un toque fresco que la serie necesitaba como el comer; un cambio de aires que no es que deslumbre pero si se agradece mucho:

El tratamiento de Hada, una heroína claramente inspirada en otras “niñas X” míticas de la franquicia mutante como fueran Kitty Pryde (con un toque de Illyana Rasputin), es de lo más reseñable del trabajo de los guionistas. El relato iniciatico centrado en la joven está llevado con gran acierto y recoge perfectamente la esencia de lo que es ser un hombre X. Ya digo que el personaje en sí es una suerte de refrito bastante evidente de otras "aprendices" mutis pero aún así tiene su gracia y me ha caído muy simpática. La niña, así como otros jóvenes mutantes como Bala de Cañón, parecen ir adquiriendo más protagonismo en la trama de Bru y Fraction y todo parece indicar que tendrán un papel importante en esa especie de “refundación” del grupo que han puesto en marcha los guionistas.

La parte del Club Fuego Infernal es más de lo mismo y a mí no me llega a interesar lo más mínimo. Es una pena que una propuesta que parecía atractiva se lastre  (en parte) tan pronto por la cansina presencia de unos enemigos excesivamente sobados a lo largo de estos últimos años… Tampoco me ha hecho gracia la “vuelta” de Madelyne Prior (¿inevitable?), otra presencia innecesaria que no ayuda a romper con el pasado (esa era la idea, ¿no?).

Por lo demás decir que me siguen chirriando algunas actitudes un tanto forzadas de los protas de la colección (menos en el caso de La Reina Blanca y Cíclope, una pareja con mucha química que se lleva gran parte del protagonismo y que da mucho juego en estos cómics). Algunas de las licencias que introducen Bru y Fraction chocan bastante con la personalidad de los personajes pero hay que reconocer que tienen su gracia y que ayuda a darle a la historia un toque distinto.

Otro punto fuerte de esta nueva etapa de la serie es el trabajo de Greg Land, un dibujante que me gusta cada día más y que aporta un toque joven y fresco. También ayuda que no haya tenido ningún sustituto en estos números ya que eso da cierta imagen de cohesión que siempre se agradece.

La Patru de Brubaker y Fraction no es una serie especialmente notable pero se deja leer con bastante agrado y tiene algún momento destacable. De momento es sólo una sensación muy leve pero creo que esta etapa del mayor grupo mutante puede ser bastante interesante. Con Brubaker de por medio sólo se pueden esperar cosas buenas y su compañero de labores tampoco es manco…

La JSA se enfrenta a una nueva y poderosa “amenaza”: un ser casi omnipotente llamado Gog ha llegado a la Tierra con el fin de hacer el bien y ayudar a sus habitantes. El ente no parece peligroso –más bien todo lo contrario- pero su ansia por eliminar todas las lacras de la sociedad y curar a los humanos, puede tener unas consecuencias tragicas…

Yo pensaba que Johns ya no tenía mucho que contar en esta serie y notaba cierto agotamiento del guionista pero leídos de un tirón estos tebeos me rindo ante la evidencia: este tío es capaz de resucitar al “muerto” más muerto:

Una vez finalizada la saga de presentación del grupo, Johns iniciaba –allá por el número 13- un nuevo arco argumental centrado en el Superman llegado de la Tierra de Kingdom Come (Tierra 22). El tono de esta nueva trama es más oscuro que el de los tebeos anteriores, aunque el guionista nunca abandona ese sentido del humor tan acertado y delicioso. Los homenajes y las bromas de todo tipo (no perderse el “reclutamiento” de los miembros más jóvenes del grupo) siguen al orden del día, pero pasan a un segundo plano a favor de un aire más “serio”. Además de esto, se nota un giro hacia terrenos más épicos y menos mundanos que rompe con lo anterior. Hay más acción y reflexión pero aún así la lectura resulta simplemente deliciosa.

En este “cambio de ritmo” de Johns, el escritor introduce elementos como la mitología (la mitología superheroíca), el sentido de la responsabilidad, la culpa, los peligros que puede conllevar el hacer el “bien” sin mirar a quien y sin preguntar primero… Y, por supuesto, Superman, un personaje por el que el guionista parece tener una especial predilección y al que otorga mayor protagonismo que a la propia JSA. En este sentido, la trama me recordó a los tebeos firmados por el mismo Johns en la serie del Hombre de Acero y publicados por aquí hace pocos meses (reseñados en este blog en su momento). En ambos casos El Hombre de Acero es el eje de las tramas, el centro de todo lo que ocurre, etc. No en vano este gran personaje es el centro del Universo DC y el guionista intenta explicar todo lo que pasa a través de sus ojos  y sus emociones (el miedo y la soledad de un personaje que está sólo en el mundo después de haberlo perdido todo).

Jhons aprovecha la especial “personalidad” de Gog (un Dios con aspecto de malvado pero que sólo quiere hacer el bien) para indagar sobre algunos de los miembros de la JSA y sus particulares traumas, dando una vuelta de tuerca a algunos de ellos. En este sentido el trabajo del escritor es, nuevamente, magnifico; da en el clavo en todo momento y usa este “argumento” para crear nuevas y divertidas situaciones. Otro ejemplo de lo fácil que puede llegar a ser hacer evolucionar a los personajes sin necesidad de hacer bobadas con ellos.

En el número 18 de la serie, tenemos un número dedicado a Power Girl que cuenta con la inestimable aportación del enorme talento de Jerry Ordway a los lápices. Eso y el encanto de hacernos conocer la “nueva” Tierra 2, con personajes tan interesante como La Cazadora (la hija de Batman y Catwoman de ese universo paralelo), etc.

Otro de los aspectos a destacar es el alto nivel grafico que sigue habiendo en esta colección. Si Dale Eaglesham ya es de por sí toda una señal de calidad, el trabajo de su sustituto Fernando Pasarín es igualmente notable. El acabado de este artista tiene un empaque importante y su estilo, parecido al de Eaglesham, hace que apenas se note al cambio. Para redondear la cosa tenemos las portadas del genial Alex Ross para hacer que se nos caiga aún más la baba.

Esta JSA es un tebeo es sencillamente maravilloso (o maravillosamente sencillo, como queráis) y digno de estar en nuestras estanterías de todas, todas. Geoff Johns es un guionista todo terreno que es capaz de hacer de todo y todo muy bien. Se maneja en todos los ámbitos de una forma admirable y en este cómic demuestra que, además de hacer reír al personal, es capaz de contar historias más profundas y ahondar en los personajes como muy pocos pueden hacerlo. Cada cómic suyo es una lección magistral de lo que son los superhéroes en su más pura esencia. 

Tony Stark está muy ocupado en su guerra con los skrulls y por ello pide ayuda a su amigo James Rhodes para que este acuda a uno de los pocos satélites “limpios” de invasores y coordine desde allí la resistencia. Máquina de Guerra acudirá a la llamada de su amigo pero se encontrará con muchos obstáculos en su camino…

Debido al caos provocado por la Invasión Secreta, la colección Iron man se quedó sin su protagonista principal y éste fue sustituido por Jhames Rhodes, más conocido por todo fan Marvelita como Máquina de Guerra. Este importante cambio coincidía con un impás de la serie que allanaba el camino para la llegada de una etapa con nuevo quipo creativo el mes viene.

De entrada os diré que Máquina de Guerra es uno de los pocos personajes de Marvel de los que apenas conozco nada. Se que fue la versión oscura de Iron Man guante los años 90 y poquita cosa más. Por eso el cambio de protagonista me ha resultado más extraño si cabe y me ha dejado algo descolocadito. Tampoco ayuda el hecho de que estos números de Christos N. Gage sean una sucesión bastante gris de golpes y efectos visuales cuya coartada es la búsqueda de un satélite “limpio” de skrulls en el que Rhodes pueda luchar contra la invasión (todo por encargo de un Tony Stark metido de lleno en la guerra contra los aliens). Aparte de eso no he visto demasiado que se salga de la norma, la verdad sea dicha… bueno, quizás el personaje de Suzie Endo, una muchacha bastante bonita y de armas tomar que tiene toda la pinta de ser un secundario interesante y con más “chicha” que el propio prota (aunque de momento poco se la haya visto). El resto de la trama es predecible y bastante simplona:

La presencia de la Guardia de Invierno (los héroes rusos “marca de la casa” Marvel) aporta cierto exotismo pero nada más. Tampoco ayuda que Gage haga gala de cierta moralina al final del cómic, poniendo a los rusos como los “malos” de la peli (estos yanquis siguen teniendo unas miras bastante estrechas) y al gra héroe americano como el salvador de todo mal. No es algo descarado pero sí evidente y lastra un poco más el resultado final de la historia.

Máquina de Guerra es, como os podéis imaginar, muy similar al arquetipo del héroe oscuro que tan de moda se puso a finales de los 80 y buena parte de los años 90. Un tipo bastante bruto, de pocas palabras y atormentado cuyo cuerpo ha sido mutilado para serle introducidas unas serie de partes metálicas que comprometen su humanidad. Es un tipo de héroe que a mí nunca me han gustado demasiado y que no despiertan en mí casi ningún interés. Si además de esto, el guionista de turno –en este caso el tal Gage- apenas se molesta en profundizar un poco en la personalidad del protagonista… lo peor del caso es que parece que este arquetipo se está volviendo a poner de moda y mucho me temo que pronto tendremos un buen número de series al estilo de los “felices” 90 pululando por ahí (que Kirby nos pille confesados)…

A destacar el dibujo de un Sean Chen que siempre cumple, aunque en estos episodios esté un poco más flojeras que en otros trabajos suyos. Una labor aseadita, como el propio tebeo.

Y poco más… unos números que quedan algo descafeinados sin Tony Stak y en los que apenas pasa nada. Se nota mucho que son tebeos de transición…

En plena batalla final entre los héroes y los skrulls algo extraño le ocurre a La Avispa… una especie de veneno introducido en su cuerpo por los invasores ha convertido a la vengadora en un arma letal que amenaza con destruir todo a su alrededor…

Llegamos al final de esta trepidante saga con un número en el que asistimos a la “muerte” de rigor que suele finiquitar este tipo de eventos. El personaje elegido no es de los más importantes y tampoco su muerte resulta demasiado épica ni dramática. Para colmo de males el final de la historia es, como me temía, otra “cacicada” del Quesada. Otra idea “brillante” que destroza una miniserie que me había gustado de verdad.

Lo de Norman Osborn como jefazo de la seguridad de los USA no se lo cree ni “El Tato”. Lo siento pero no me lo trago. Y no solo es porque sea algo directamente ridículo si no porque ni siquiera se han molestado en crear un caldo de cultivo ideal para que el tipo llegue donde llega. Ya he comentado que Osborn es un personaje que no me gusta nada pero si hubieran hecho bien las cosas, si se hubieran molestado en hacer de él una presencia verdaderamente inquietante, peligrosa y “sutil”, todavía hubiera podido digerir el asunto. Pero es que no ha habido un proceso, una planificación medianamente digna e interesante. Simplemente ponen a un psicópata de tomo y lomo a gobernar el mundo y punto (¿ni siquiera nadie sospecha que pueda ser otro skrull infiltrado?). Lo sacan de una serie menor (Los Thunderbolts es una cabecera menor) y en un par de viñetas lo suben a los altares de la política del país más poderoso del mundo. Absurdo.

Este final tan chorra estropea la labor de Bendis en esta minisaga. Bueno, en realidad no estropea nada porque el trabajo del guionista era otro: el de contarnos lo mejor posible una historia que era muy complicada de salvar. Ha apostado por el humor para disfrazar una premisa argumental que, como mínimo, era escasa de miras. Se ha limitado a allanar el terreno a Quesada para que este hiciera de las suyas sin que nos cabreáramos demasiado. Es decir, por mucho que diga Bendis (qué va a decir el pobre) lo de Osborn esa una decisión editorial y a él le han colgado el "marrón". Por eso el final del tebeo es tan soso e insulso, hecho sin ganas y sin ilusión (no como otras partes de la trama). Lo mejor que podemos hacer todos es quedarnos con los deliciosos números anteriores y olvidar este final tan grotesco...

Leynil Yu ha estado de cine en Invasión Secreta. Algunos (me incluyo) debemos quitarnos el sombrero ante su trabajo en este tebeo, aunque eso no cambie el escaso nivel de otras de sus obras recientes. Con tiempo y algo de interés el tío se porta y sabe hacer las cosas bien. Esperemos que lo haga más a menudo.

Lo dicho; olvidad lo malo y quedaos con lo bueno. Es lo mejor que podéis hacer por vuestra salud mental.